Archivos Mensuales: diciembre 2012

Avatar: descubriendo los personajes de Pandora

avatar Pocos directores hay que se manejen tan bien con los efectos especiales como el Hollywoodiense James Cameron. Y es que tras “Titanic”, “Terminator”, “Aliens” o El día del juicio” supo superarse con Avatar.

A nivel visual, podríamos decir que es una de las películas más difíciles que se han rodado jamás, no hay más que ver a sus protagonistas (los avatares) y el mundo en el que viven (Pandora).

Cameron se puso el listón muy alto desde el principio, ya que rechazó la opción más común de ‘disfrazar’ a los actores para hacerlos pasar por avatares. Él quería llegar más allá. Si utilizaba maquillaje no podía jugar con el tamaño de las extremidades, ni con la altura, ni con la separación entre sus ojos… y todo eso forma parte de un Avatar. Así que se acercó al método de cáptura de interpretación pero de una forma más sofisticada, buscando el humanismo en el sujeto.

Para conseguir lo que se proponían, desarrollaron un nuevo sistema de captura de interpretación facial basado en imágenes, por medio de una cámara sujetada en la cabeza del actor y enfocada a su cara, que grabara con precisión los detalles más pequeños de sus gestos faciales. Con la técnica anterior de captura del movimiento, se colocaban marcadores reflectantes en las zonas donde se quería registrar la expresión. En Avatar, los actores llevaban un casco con una cámara pequeñita, como ya hemos comentado. La ventaja con esta novedad fue que se logró conseguir la viveza en sus ojos, puesto que antes carecían de expresión. Además, estas cámaras de captación podían ser empleadas también para registrar los movimientos corporales del los actores.

Con esta técnica se crearon los Na’vi: unos sujetos delgados, muy altos, de ojos separados con un diámetro dos veces superior al de los humanos, cuellos largos y manos de tres dedos. Asombrosamente parecidos a los actores de carne y hueso, Avatar causó sensación en el público, siendo una de las películas más taquilleras de la historia con una recaudación de más de 760 millones de dólares.

Os dejamos a continuación con esta transformación de humano a Na’vi

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¿Qué cámara de video me compro?

Hasta ahora, este blog ha sido fiel a su nombre y os ha mostrado todo lo que rodea al mundo audiovisual más allá de las cámaras. Aquello que no vemos pero que supone la esencia de cualquier producto audiovisual. En esta ocasión, vamos a dedicar este post a las grandes protagonistas de que todo esto sea posible: las cámaras.

Es posible que muchos de vosotros esteis pensando en adquirir un cámara de video y os surga la duda en torno a elegir una clásica videocámara, o una cámara réflex con grabación de video. No puedo evitar decantarme por la segunda opción, y una vez expuesta mi predilección personal creo que sería oportuno establecer una diferenciación entre ambas que os ayudará a tener más clara la decisión.

Las ventajas de una cámara réflex con grabación de vídeo es sin lugar a duda su relación “calidad cine” a bajo precio. Me explico. Muchas de estas cámaras ofrecen tecnología de grabación Full Frame, que se obtiene gracias a un sensor fotográfico de pequeño tamaño que proporciona un contraste y una calidad de imagen que conocemos coloquialmente como “look cine”, ya que obtiene resultados equiparables a los de una cámara de cine, que vendría a costar unos 6000 mil euros.

En segundo lugar, además de esta calidad de imagen que no deja a nadie indiferente, debemos recordar que estamos ante una cámara pensada por encima de todo para tomar fotos, y de ahí que su nitidez, textura o contraste sean más propios de la fotografía. Además estas cámaras permiten hacer numerosos ajustes y jugar con la profundidad gracias a sus objetivos intercambiables, que dotan en su aplicación al video de resultados novedos y estéticamente muy interesantes.

 

Nikon D 3200Explicadas las ventajas pasamos a comentar las desventajas, que son considerables, pero que con una buena práctica en el manejo acaban siendo soportables y evitables. Para empezar, son cámaras más pesadas y de difícil manejo siempre que trabajemos sin herramientas que evitan los temblores como una steadycam. No cuentan pues con una tecnología de estabilización muy adecuada, y son pocas las que ofrecen un enfoque automático conseguido, cosa que es habitual encontrar en una videocámara, más pensada para esos usos. Su enfoque crítico, más acentuado en las Canon que en las Nikon, hacen que para los videoaficionados más inexpertos sea casi desesperante dominar a la cámara y que no sea esta la que te domine.

 

Además, suelen recalentarse con rápidez, e incorporan un sistema que rara vez permite grabar clips de más de diez minutos, llegando a apagarse el aparato automáticamente si esto ocurre. Por otro lado, se graban videos muy pesados con las réflex, siendo necesaria una tarjeta SD de gran capacidad o llevar con nosotros un potente ordenador para volcar poco a poco el contenido que vayamos filmando.

 

Cámara de videoAsí con todo, recomendamos una cámara réflex porque adquiriendo un aparato como la Canon EOS 5D, que ronda los 1500 euros se obtienen resultados que solo ofrecen cámaras compactas de video profesionales mucho más costosas. Pero claro, todo dependera de vuestras necesidades de uso y lo lleno o vacio que esté vuestro bolsillo. Quizás sería más oportuno recomendar la adquisición de una cámara que este a medio cámino entre las cámaras más domésticas y las que ofrecen resultados ya profesionales. En este sentido, una cámara réflex de iniciación al estilo de la Nikkon D3200, recientemente sacada al mercado, puede brindarnos, con sus hasta 24 megapíxeles, una calidad excepcional a un módico precio que ronda los 450 euros.

Nosotros solo hemos tratado de orientaros. Sois vosotros los que debéis elegir, y para ello, en ‘Detras de las Cámaras’, os dejamos una serie de reviews en las que diferentes profesionales desnudan al completo a “los ojos” de nuestro querido séptimo arte.

Destripando el guión de… ‘El Orfanato’

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Por lo general, los guiones de todas las películas siguen un orden o estructura concreta. Se divide en tres actos. En el primero (presentación), las películas presentan a los protagonistas y antagonistas pero también se deja claro el ‘objeto de deseo’ del protagonista y su ‘destinador/tarea’. En el segundo (desarrollo), se marca el conflicto, que tiene que ver con las pruebas y sacrificios que surgen entre la relación de los aliados y los enemigos. Finalmente, en el tercer acto (desenlace), se da el clímax o resolución de la historia.

Todo esto parecerían palabrerías si no os ponemos un ejemplo del esquema. Hemos escogido la película ‘El Orfanato‘ de Juan Antonio Bayona ya que esperamos que la mayoría de vosotros la hayáis visto. De esa forma, no os estropearíamos ninguna sorpresa.

En el primer acto, se nos presenta a la protagonista principal “Laura” (Belén Rueda). Laura era una niña que vivía en un orfanato con varios niños. Un tiempo después ella vuelve con su marido y su hijo para reabrirlo como una residencia para niños discapacitados. También conocemos al segundo importante: “Simón” (Roger Princep), el hijo de Laura, un niño adoptado con VIH. Pone a prueba a su madre con el juego de la búsqueda del tesoro que le proponen sus amigos imaginarios, y que poco a poco este juego resultará un conflicto entre madre e hijo.

Se nos hace creer que los antagonistas son los cinco niños que fueron compañeros de Laura durante su instancia en el orfanato y que fueron envenenados por una de las trabajadoras, Benigna Escobedo (Monserrat Carulla). Estos niños son durante toda la película los que ponen a prueba a Laura utilizando a su hijo Simón, a través de un juego, para contarle como fueron asesinados.

El objeto de deseo es Volver a sus raíces. Volver al lugar donde se crió para ofrecer la ayuda que a ella le dieron en su infancia y así dar asistencia también a niños discapacitados que sus familias no se pueden hacer cargo de ellos. Por otro lado, la tarea es reconstruir y rehabilitar el orfanato donde ella se crió.

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En el segundo acto, la prueba principal de la película es el juego del tesoro que le enseñan los niños imaginarios a Simón y que él le explica a su madre.Consiste en reemplazar unos objetos por otros y al acabar las pistas deberías encontrar tu tesoro, y al hacerlo puedes pedir un deseo. Los niños junto con Simón ponen a prueba a Laura y le invitan a jugar al juego. Cuyo tesoro es su hijo.El juego para la protagonista comienza el día de la inauguración de la residencia, que Simón le invita a su madre a conocer la casa de Thomas, su principal amigo imaginario que murió ahogado en una gruta cerca del orfanato. Laura le dice que nos es el momento ya que tiene que atender a los invitados, por lo que Simón se enfada con su madre y se va de la habitación donde se encuentran. Es en ese momento cuando comienza el juego para Laura sin ella darse cuenta aun hasta seis meses después de la desaparición de su hijo.

Los aliados principales de la protagonista son los Medium, ya que su marido llega a un punto que no soporta la presión de la situación que están viviendo tras la desaparición de Simón y decide alejarse poco a poco. Los enemigos son la cuidadora del orfanato, Benigna Escobedo, ya que intenta impedir que Laura no pueda rehabilitar la residencia para que no descubra que fue ella la que envenenó a los cinco compañeros de Laura y los cinco niños que son los que ponen realmente a prueba a la protagonista y le hacen “jugar” a la búsqueda del tesoro.

La prueba o sacrificio es el juego de la búsqueda del tesoro, que los niños proponen a Laura. Con este juego se muestra quien fue la asesina de los niños y como murió Thomas. Esta prueba pone al límite a Laura, hasta el punto de dejar de lado su vida, la rehabilitación del orfanato y su matrimonio.

En el tercer acto se da el clímax o resolución. Laura consigue descifrar el juego que los niños le proponían y se da cuenta de que su tesoro es su hijo. Una vez que ha encajado todas las piezas encuentra a su hijo muerto. Desesperada, se suicida tomando las pastillas que se debía tomar Simón para combatir el VHI, pidiendo el deseo de que el vuelva junto a ella.

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¿Cómo leemos el encuadre?

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Los cineastas experimentan mucho sobre cómo los ojos del espectador leen o interpretan el encuadre. Quizás esta visión la podemos trasladar directamente a la publicidad ya que son éstos los que precisamente más lo tienen estudiado. No obstante, en imagen ambos mundos son completamente paralelos. Así pues, el siguiente post pretende señalaros cómo se configura una buena puesta en imagen o encuadre para conseguir una buena interpretación o lectura de la audiencia. Para ello, usaremos el siguiente cartel de la campaña publicitaria ‘Carolina Herrera CH’, que nos vende el nuevo perfume de la marca.

En la imagen vemos a una chica joven, de unos 20 años, que se está quitando un gran vestido de gala rojo. Está sentada mirando hacia delante, probablemente a un espejo. Lleva debajo un corsé de cuero rojo y está peinada con un moño. Vemos que la habitación es bastante clásica, recuerda a una especie de palacio inglés por las cortinas, la cómoda, la lámpara, la silla, las ventanas o el pequeño sofá y almohadones del fondo. El suelo está cubierto de frascos del perfume anunciado y en primer plano, en la esquina inferior derecha, tenemos uno de ellos mucho más ampliado y detallado, y a su lado, el logo de la marca. Todos esos perfumes se representan como puntos de atención en la mente del lector.

El punto no es arbitrario. Se estudia su colocación para desviar la mirada del lector donde se desea.

El punto no es arbitrario. Se estudia su colocación para desviar la mirada del lector donde se desea.

La historia es la de una chica que, pese a vivir en una casa de gran lujo, se aleja de los convencionalismos y pretende ser independiente y tener personalidad propia. Es una joven que se mira directamente al espejo y le gusta lo que ve. Una chica que se está quitando un gran vestido de gala para quedarse con un sexy corsé, una vestimenta muy rompedora para tanto formalismo.

A pesar de lo clásico que es su cuarto, ella se siente moderna pero tampoco quiere decir que rechace de pleno todo lo que tiene sino que sabe compaginar las dos cosas, de ahí la ineludible elegancia que desprende, con su peinado por ejemplo. Además está segura de sí misma y aunque se está cambiando de forma sensual, tiene las ventanas al descubierto siendo incluso un día soleado, pero no le molesta que la puedan ver, de hecho lo que le atañe es mirarse al espejo fijamente y demostrarse a sí misma que lo que importa es ella. Por estas cualidades se considera divertida y rompedora.

Ella sabe que ser así es algo que a su entorno no le gusta, de ahí los grandes triángulos de inestabilidad que forman la imagen. Ella sabe que rompe con lo que para su familia es lo habitual y normal. De ahí todas las formas cuadradas del cuarto (cojines, cajones…), que reflejan estatismo y firmeza frente a los círculos y curvas de su cuerpo y vestido. Sin mencionar el cuero, que representa agresividad y valentía. Una valentía que hay que tener para olvidarse de dónde viene y lanzarse a la vida que ella quiere.

En una imagen el triángulo significa inestabilidad; el círculo equilibrio y perfección; y el cuadrado firmeza y estatismo.

En una imagen el triángulo significa inestabilidad; el círculo equilibrio y perfección; y el cuadrado firmeza y estatismo.

Todo esto lo hemos extraído de la lectura hecha y todos los valores que hemos dicho que representa la joven se trasladan al perfume. Así que lo que quiere la marca es atraer a su público objetivo, un público caracterizado por ser independiente, moderno, seguro de sí mismo, divertido, elegante y que sabe lo que quiere.

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¿Cómo se hizo la evolución digital de Renesmee en ‘Amanecer’?

Volvemos al tema de las manipulaciones digitales en la saga ‘Crepúsculo’. Esta vez nos centraremos en el personaje de Renesmee, hija de Edward y Bella Cullen y que, durante la película ‘Amanecer. Parte 2’ cambia rápidamente de ser un bebé a una niña de 10 años.

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Lola VFX se encargó de manipular digitalmente la cara de la bebé recién nacida. Grabaron a unos 30 bebés usando un equipo de proyección, para basar al personaje de Renesmee en ellos. Acabaron usando trozos y piezas de unos cinco de esos bebés grabados para crear el aspecto final, como si fuera una colcha hecha de varios trozos de tela. Los ojos fueron hechos con CG, basándose en los ojos reales de Kristen Stewart (que interpreta a Bella) cuando era bebé.

En la escena de la chimenea, cuando Jacob se imprima de Renesmee, él ve el futuro y la ve crecer hasta hacerse una mujer adulta. Para ello, se creó un bebé por CG. Todas las tomas de Renesmee están basadas en una actriz de 10 años llamada Mackenzie Foy, y consiguieron que la chica pareciera desde un bebé recién nacido a una joven de 18 años.

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Para esto último, grabaron a una modelo de 18 años corriendo por un parque, y luego capturaron la actuación de Mackenzie con el equipo de proyección de Lola VFX. Usando el programa Flame, modificaron el aspecto facial de Mackenzie para que pareciera más mayor, y luego modificaron un CyberScan de Mackenzie para ajustar las proporciones de envejecimiento. La futura Mackenzie se hizo con las mismas técnicas usadas para crear al bebé de la chimenea.

Sin embargo, las críticas hacia este cambio digital no tardaron en llegar. Muchos consideran ‘cutre’ el aspecto del bebé recién nacido, una mezcla entre lo digital y lo real. Lo mismo con la niña que va creciendo, tanto en altura como en aspecto físico, que acaba pareciendo algo desgarbada. Os dejamos con un vídeo del momento de la chimenea, juzgad por vosotros mismos.

¿Qué creéis, habría sido mejor utilizar a un bebé distinto de la niña para la película, o acertaron al cambiar a la misma actriz digitalmente?

Mirada al Cine de la Movida madrileña

Ayer nuestra blogera Maria nos mostró una de las corrientes cinematográficas más transgresoras de la historia del cine, el Cine Dogma danés. Hoy me dispongo a mostraros nuestra particular corriente cinematográfica rompedora: el Cine de la  Movida Madrileña. Como ya sabéis, la Movida Madrileña fue todo un movimiento contracultural que envolvió con fuerza todas las expresiones artísticas influyendo especialmente al séptimo arte, destacando directores como Fernando Trueba, Pedro Almodóvar, Fernando Colomo o Manuel Iborra.

Fernando Trueba: Oscar con 'Belle Époque' (1994).

Fernando Trueba: Oscar con ‘Belle Époque’ (1994).

¿Por qué surgió este movimiento? Muy simple. Ante un estado de opresión de las libertades de expresión es normal que brotara con el final del Franquismo un sentimiento de hambre de libertad; una necesidad imperiosa de romper con las tradiciones anteriores para demostrar a España, que todo lo que siempre se había ocultado estaba ahí, bien presente, y deseando expresarse de viva voz.

Esos temas antes tabúes o simplemente censurables hasta las últimas consecuencias, eran los que ahora radiaban con mucho ímpetu, pero quizás sin demasiado autocontrol. Hablamos de las drogas, la prostitución, la sexualidad explícita, los dramas pasionales, la vida nocturna, la homosexualidad , transexualidad y la vida del inframundo urbano, entre otros temas.

Fernando Colomo: 'La Mano Negra' (1980) es su obra más destacada.

Fernando Colomo: ‘La Mano Negra’ (1980) es su obra más destacada.

Si bien no se puede hablar de un estilo que tenga unas características técnicas concretas o que emplee unos recursos cinematográficos reconocibles  y definibles en comparación a otros estilos, sí podemos hablar de un estilo marcado en la configuración o definición de los personajes. En el franquismo las películas mostraban a la España rural, la España humilde y cercana. Con la transición nos adentramos en el estrés de la ciudad, donde las tramas están llenas de obsesiones, estrés, dramas, historias imposibles o incluso sinsentidos, con personajes que ahora son un estandarte de la cultura snob, transgresores y hasta radicales, a la par que confusos y oscuros. Lo que antes era una simple suma, ahora es una difícil ecuación que sume al espectador en una indecisa interpretación de lo que está viendo. Adiós a los personajes entrañables con los que rápidamente nos  identificábamos –personajes al más puro estilo de Paco Martínez Soria–, y bienvenido el ‘modelo Almodovar’, con personajes cuyos traumas o desavenencias son llevados a los últimos extremos.

Manuel Iborra: 'Caín' (1986) puede ser su obra más destacada.

Manuel Iborra: ‘Caín’ (1986) puede ser su obra más destacada.

En ‘Detrás de las Cámaras’ queremos despertaros el interés por conocer los siguientes títulos y a sus directores,  viéndolos no desde la perspectiva sociocultural de ahora, sino en los ojos de estos jóvenes cineastas que crecieron siendo acallados, hasta que un día se les abrió la puerta para enseñar el mundo tal y como es, y de paso quitar las vendas que nuestra sociedad llevó durante décadas en los ojos.

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¿Cómo se viven las escenas de sexo en cine?

Y ahora que son más de las doce, terminamos el día con un post bastante picante, ¿qué piensan realmente los actores sobre las escenas de sexo?. Hay una gran variedad de secretos, métodos y trucos para estas ocasiones pero lo cierto es que cada película, cada personaje y cada actor lo vive de una forma totalmente diferente.

Un ejemplo es el del director Álex de la Iglesia, quien pidió a su equipo de ‘Crimen Ferpecto’ que se desnudara para que se pusieran al mismo nivel que Kira Miró en una escena de sexo, de esa forma, calmarían los nervios de la actriz al estar todo el mundo en la misma posición que ella.

Kira Miró en 'Crimen Ferpecto' de Álex de la Iglesia.

Kira Miró en ‘Crimen Ferpecto’ de Álex de la Iglesia.

Por otro lado, Tristán Ulloa comenta que se pasa mal al excitarse involuntariamente en una secuencia y que se tiene una vergüenza enorme. Las tácticas de Fernando Tejero son más simpáticas y es que, antes de rodar su escena, se desvistió y paseó alrededor de todo el equipo y les dijo: “esto es lo que hay, no hay más”. Si queréis más información os recomendamos que veáis el siguiente documental: Sexo en el Plató – TeleDocumentales.

De todas formas, lejos queda el cine español de algunas producciones en las que el acto sexual se escenefica de forma real. Tal es el caso de Mark Rylance y Kerry Fox en ‘Intimacy’ (2001); Vincent Gallo y Chloë Sevigny en ‘The Brown Bunny’ (2003); Margo Stilley y Kieran O´Brien en ‘9 canciones’ (2004); o la más reciente, ‘Anticristo’ (2009), protagonizada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg y dirigida por Lars Von Trier. Éste último director ha dirigido varias películas porno y ya ha captado a uno de los actores hollywoodienses más afamados de la actualidad (Shia LaBeouf) para su próxima película, `The Nymphonamiac´, en la que se le exige realizar el acto sexual con su compañera de reparto delante de las cámaras.

No obstante, no será la primera aparición en desnudo integral del actor ya que fue el protagonista del videoclip de Fjögur Píanó, una canción del grupo islandés de música experimental Sigur Rós. En el vídeo, el actor se ve en envuelto en un círculo interminable de adicción y deseo con la bailarina Denna Thompsen.

No todos los actores piensan lo mismo acerca de las escenas de sexo y es que, la actriz Vanessa Hudgens ha hecho su primera escena de cama y la última. La actriz norteamericana asegura que ha sido muy incómodo grabar esas secuencias y ya le ha pedido a su agente que tenga muy presente no barajar esa opción en su agenda. En el largometraje ‘Spring Breakers’, la protagonista de ‘High School Musical’ rueda varias posturas comprometidas en una piscina no sólo con James Franco sino también con la co-protagonista de la película, Ashley Benson.

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De izquierda a derecha: Ashley Benson, James Franco y Vanessa Hudgens en ‘Spring Breakers’.

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¿Cómo se hizo el cambio de Bella en ‘Amanecer. Parte 1’?

La saga Crepúsculo puede tener tantos seguidores como detractores, pero lo que no se puede negar es que su penúltima película (‘Amanecer. Parte 1’) llamó la atención por la transformación que sufrió su protagonista, Bella Swan (interpretada por Kristen Stewart), a lo largo de sus 117 minutos de duración.

ImageJohn Bruno, supervisor de efectos especiales, insistió en los cambios físicos del personaje: “se casa, tiene sexo vampírico, se queda embarazada, pierde 13kg, se enferma, está al borde de la muerte y revive como vampiro”. Por eso, se tuvieron que completar 1275 tomas de efectos visuales con un límite de tres meses: “lo más grande en todo este proceso fue el no perder nunca la expresión y la emoción en los ojos de los personajes”, afirmó.

ImagePara conseguir que Bella perdiera tanto peso y pareciera bulímica, se utilizó una combinación de efectos especiales prácticos y CGI, para hacer que las 200 tomas del ‘Efecto Bella’ (como lo llamaron) fueran creíbles. La compañía Legacy Effects, que se encarga de los efectos para las criaturas, hizo una serie de retoques a la actriz durante una sesión de maquillaje de tres horas. Le hundieron los ojos y le marcaron los pómulos, la barbilla y las clavículas. La prueba de rodaje fue grabada y enviada a Lola VFX, responsables de hacer que, en las imágenes, apareciera más delgada. Para ello usaron prótesis, reduciendo el presupuesto del rodaje digital, pero les daba el problema de que le sobresalían por la sien, creando sombras extrañas que tuvieron que eliminar más tarde. Además, tuvieron que deformar las prótesis para ajustarlas al aspecto natural y en progreso que mostraba Bella.

ImagePara apoyarse, Legacy creó un maniquí a tamaño real de Bella ya demacrada, y se guiaban con él para hacer las deformaciones corporales. Hicieron más delgados sus piernas y brazos, y consiguieron que se le marcasen los huesos de los nudillos. Además, se usaron patrones 3D de su cabeza para cada toma, desarrollando un truco para envolver una imagen bidimensional en una imagen geométrica en 3D. Tenían dos cabezas de Kristen Stewart en 3D, una de ellas era normal y la otra demacrada, proyectando una dentro de la otra. Luego se ponía como base la imagen normal, transfiriendo sus colores a la imagen demacrada. Así, sólo tenían que deformar la periferia orbital y los pómulos.

Próximamente, en ‘Detrás de las cámaras’, os explicaremos cómo se hizo el rápido crecimiento de la hija de Bella en ‘Amanecer. Parte 2’.

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La importancia de la música en cine

Muy a nuestro pesar,  hay una tendencia generalizada a valorar una película atendiendo exclusivamente a la calidad y grandeza de su imagen o a la profundidad del guión. De ahí, que en gran parte se califique como buena o mala. No estamos diciendo que no sea importante pero hay algo muy importante a tener en cuenta que se pasa bastante por alto: la música o banda sonora.

La calidad de un film puede variar en función de este último parámetro y es que, la sonorización de una película es una gran herramienta de ambientación para determinadas escenas. Muchos de los grandes compositores ayudan a reforzar pasajes alegres, melancólicos, terroríficos o de acción. Tanto es así, que no son pocas las ocasiones en las que un director no ve que su pieza funciona hasta encontrar una buena música. De hecho, varias veces se han tenido que contratar a varios compositores con la esperanza de que alguno de ellos de en el clavo. La música expresará aquellos sentimientos, circunstancias, pensamientos e ideas que podrán alcanzar y traspasar la sensibilidad del espectador y conseguir una transformación psicológica en él.

Bernard Herrmann fue un compositor estadounidense especializado en el género cinematográfico. Galardonado con un premio de la Academia a la mejor música de película dramática por su trabajo, ‘El hombre que vendió su alm’a (1941), es principalmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles (‘Ciudadano Kane’, ‘La guerra de los mundo’s) y con Alfred Hitchcock, director con el que Herrmann cosechará la mayoría de sus grandes éxitos (‘Vértigo’, ‘El hombre que sabía demasiado’, ‘Psicosis’).

Os mencionamos a esta figura de la música cinematográfica por una frase que va a dirigir el contenido de lo que qeda del post: “La música debe suplantar lo que los actores no alcanzan a decir, puede dar a entender sus sentimientos, y debe aportar lo que las palabras no son capaces de expresar”.

Respecto a esta frase de Herrmann, el equipo de ‘Detrás de las Cámaras’ ha elaborado un pequeño experimento en el que podremos ver que, con la misma secuencia pero con diferente música, la interpretación de la actriz, la historia y la atmósfera de las imágenes pueden variar completamente.

En el primer vídeo, hemos colocado una música de misterio a las imágenes. Por ello, parece que cuando la chica mira por la ventana está tramando algo, o incluso espiando a alguien. Por su mirada, incluso podemos descifrar que hay odio en ella y que lo que está pensando lo está haciendo de forma oculta a las demás personas.

En el segundo vídeo la historia cambia completamente. Se trata de una música alegre. Podríamos pensar perfectamente que la mirada de esa chica tenebrosa, ahora cambia a feliz. Parece que está mirando por la ventana de un cuarto de hotel en el que está disfrutando del paisaje y de sus vacaciones. La cosa no es para nada parecida al anterior ejemplo.

El tercer vídeo es mucho más melancólico. Le hemos puesto una música triste que recuerda a un desamor. En este caso, la joven está mirando por la ventana recordando a un amor pasado o un amor que no pudo ser, o incluso, viendo cómo su amor se aleja poco a poco sin que ella pueda hacer nada. Ahora, su rostro refleja tristeza, y tal vez, nos podríamos imaginar que el brillo de sus ojos puede acabar en alguna lágrima.

Finalmente, el último clip tiene una atmósfera terrorífica. En él, podríamos pensar que la chica va a ser atacada por detrás de un momento a otro sin darse cuenta del peligro que está corriendo. Cuando en las demás secuencias ella era el punto de mira, en ésta estamos muy pendientes de qué puede pasar por sus espaldas.

Bueno, y aquí os dejamos nuestro pequeño experimento que recalca la importancia de una buena banda sonora en una película para transmitir diferentes sensaciones. Es importante agradecer y mencionar la ayuda de la modelo: Gloria García Giménez (@Glowely), la cual se ha prestado sin ningún inconveniente.

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Un viaje de cine

Si te apasiona el cine y viajar, hemos encontrado la empresa que buscas. Si lo que quieres es elegir un viaje de cine, entra en Cine y Viajes, una empresa que utiliza las películas para seguir soñando fuera de ellas y es que, su lema es ‘porque cada Película es un Viaje convertimos nuestros Viajes en Películas’.

Presentan una variedad de Viajes de Cine con películas que llevarán a revivir las emociones que alguna vez sentimos en la sala oscura de nuestros recuerdos de Sesión Continua, Blanco y Negro o Technicolor, en sábana o Cinemascope. Se trata de una oferta en la que se organizan distintos viajes a los lugares donde se rodaron o donde su especial atmósfera pueda llevarnos a revivir todas aquellas emociones. Visita la biblioteca o la verdadera escuela de Harry Potter.

Se trata de viajes organizados por un equipo de profesionales que podrán asesorarte en todo momento. Son personalizados ya que tú eres el que eliges cómo repartirte el tiempo. Asimismo, son ellos los que seleccionan y combinan el desplazamiento, alojamiento, seguros y servicios que puedas necesitar, siempre con las mejores tarifas y precios del mercado. Por otro lado, nunca te faltarán los datos sobre las películas aludidas ya que añaden un detallado dossier de localizaciones y un recuerdo tematizado.

Porto (Libreria de Lello e Irmao)

La librería de Lello e Irmao, situada en Oporto, ha sido utilizada como escenario para rodar algunas películas de Harry Potter.

Organizan los viajes conforme a tus necesidades ya que no hay límite de personas, puedes viajar en pareja, solo, con tu familia, con un grupo de fans o empresas, etc. Además, si no encuentras tu película favorita entre las propuestas, puedes contactar con ellos para que la incluyan dentro de futuros proyectos.

La empresa CEPDECI, propietaria de esta página, se creó en 1996 para la organización de convenciones, seminarios, cursos de formación, ‘educational-tours’, ‘shopping tours’, ‘fam-trips’, etc. No obstante, ha habido una evolución y ahora se centra más en la organización de todo tipo de Eventos Culturales y Deportivos, empresas y organismos a las que aportan su conocimiento de la zona y sus recursos así como la operativa logística de alojamiento y servicios.

Es importante mencionar que no son una agencia de internet. Llamémoslo por su nombre, son agentes de viajes cuyo trabajo es asesorar, aconsejar y ayudar a que los clientes disfruten de sus viajes en cuestiones de calidad, que sean una agradable experiencia y que sirven como fuente de conocimiento, trabajo o descanso.

En definitiva, os presentamos una nueva forma de viajar. Unos viajes que, a la par de descubriros lugares impresionantes, os harán recordar y haceros los protagonistas mismos de las historias que más os han impresionado en uno de vuestros mayores placeres, el cine.

Fuente / www.cineyviajes.com

Foto / paspalleteir@

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