Archivo del Autor: mariadebelda

Avatar: descubriendo los personajes de Pandora

avatar Pocos directores hay que se manejen tan bien con los efectos especiales como el Hollywoodiense James Cameron. Y es que tras “Titanic”, “Terminator”, “Aliens” o El día del juicio” supo superarse con Avatar.

A nivel visual, podríamos decir que es una de las películas más difíciles que se han rodado jamás, no hay más que ver a sus protagonistas (los avatares) y el mundo en el que viven (Pandora).

Cameron se puso el listón muy alto desde el principio, ya que rechazó la opción más común de ‘disfrazar’ a los actores para hacerlos pasar por avatares. Él quería llegar más allá. Si utilizaba maquillaje no podía jugar con el tamaño de las extremidades, ni con la altura, ni con la separación entre sus ojos… y todo eso forma parte de un Avatar. Así que se acercó al método de cáptura de interpretación pero de una forma más sofisticada, buscando el humanismo en el sujeto.

Para conseguir lo que se proponían, desarrollaron un nuevo sistema de captura de interpretación facial basado en imágenes, por medio de una cámara sujetada en la cabeza del actor y enfocada a su cara, que grabara con precisión los detalles más pequeños de sus gestos faciales. Con la técnica anterior de captura del movimiento, se colocaban marcadores reflectantes en las zonas donde se quería registrar la expresión. En Avatar, los actores llevaban un casco con una cámara pequeñita, como ya hemos comentado. La ventaja con esta novedad fue que se logró conseguir la viveza en sus ojos, puesto que antes carecían de expresión. Además, estas cámaras de captación podían ser empleadas también para registrar los movimientos corporales del los actores.

Con esta técnica se crearon los Na’vi: unos sujetos delgados, muy altos, de ojos separados con un diámetro dos veces superior al de los humanos, cuellos largos y manos de tres dedos. Asombrosamente parecidos a los actores de carne y hueso, Avatar causó sensación en el público, siendo una de las películas más taquilleras de la historia con una recaudación de más de 760 millones de dólares.

Os dejamos a continuación con esta transformación de humano a Na’vi

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La revolución de 1995: El Dogma

dogme-951¿Podríais imaginaros una película sin escenarios decorados, sin sonido extradiegético, sin focos de iluminación o sin el empleo del trípode o la dolly? En efecto, esto existe, y no nos referimos a las antípodas del cine. Tan sólo tenemos que retroceder hasta 1995 para observar cómo un grupo de directores daneses revolucionó la gran pantalla en la búsqueda de la esencia del cine.

En 1995 el cineasta danés Lars Von Trier junto a Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen, entre otros directores, ante la increible amalgama de cine comercial que la industria cinematográfica estaba explotando, decidieron recuperar la esencia del arte del cine.

Según ellos, sólo despojando al cine de efectos y recursos especiales podría volverse a la verdad esencial que, con la naturalidad de una instantánea es posible captar a través de la cámara.

Para forjar su movimiento, los directores escribieron un documento llamado Voto de castidad, donde planteaban la necesidad de cambiar la esencia del cine y se comprometían a dirigir sus películas respetando una serie de extrictas normas, a través de las cuales buscaban la verdad profunda:

VOTO DE CASTIDAD

Juro someterme a las siguientes redactadas y confirmadas por DOGME 95:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locación. No se puede decorar ni crear un “set”. Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).

3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).

4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).

5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).

7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corrobar que la película tiene lugar aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Desde ahora en adelante prometo como director no ejercer ningún tipo de gusto personal. Ya no soy un artista. Desde ahora en adelante prometo no crear una “obra”, ya que considero que el instante y el ahora son más importantes que todo el producto. Mi meta absoluta es forzar la verdad de mis personajes. Prometo hacerlo a toda costa dentro de mis posibilidades y a costa de cualquier buen gusto estético.

Es por ello que hago mi VOTO DE CASTIDAD

Copenhage, Lunes 13 de marzo de 1995

En nombre del DOGME 95

Lars von Trier – Thomas Vinterberg

 

Si tenéis curiosidad por ver el resultado de una de las películas que se han rodado siguiendo todas estas pautas, aquí os dejamos con Los idiotas, del director y fundador de este movimiento, Lars Von Trier.IDIOTERNE

PELÍCULA ‘LOS IDIOTAS’, LARS VON TRIER

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La magia del Chroma Key

El croma o Chroma Key es una de las técnicas audiovisuales más recurrentes que se utiliza tanto en cine, televisión o fotografía para suplantar una imagen por otra.

Simplemente consiste en extraer uno de los colores primarios de la imagen, normalmente el verde o el azul y reemplazar el áreaq que ocupaba ese color por otra imagen. El rojo no se podría usar si van a haber personas en la escena, porque la piel tiene tonalidades rojizas y habrían interferencias de color.

Esto se hace sobre todo cuando es técnicamente imposible rodar a los personajes en el escenario deseado. Un ejemplo, Por ejemplo, si queremos grabar una escena de un hombre volando, es muy fácil hacerlo recurriendo al croma:

Croma

Eso sí, hay que tener en cuenta que ningún objeto que intervenga en la escena puede ser del mismo color que el croma, porque entonces la imagen que se inserte para sustituirlo, también se reflejará sobre este objeto.

Para que el fondo reproduzca el mismo movimiento de cámara que la imagen original, durante el rodaje se fijan en la pared del plató unos puntos de rastreo que después son detectados por el ordenador y su movimiento transferido al nuevo fondo. Otra técnica para lograr esto, muy utilizada en televisión, consiste en rodar en un “plató virtual” cuyas cámaras tranmiten en directo las coordenadas de sus movimientos al ordenador, y este a su vez las aplica, también en tiempo real, al nuevo fondo, un escenario creado digitalmente en 3 dimensiones.

El principal problema de los directores de fotografía tanto para cine, publicidad o televisión es conseguir un color uniforme en el que el ciclorama esté iluminado uniformemente, sin sombras ni arrugas. Uno de los ejemplos más típicos de croma y que vemos todos los días en la televisión es el mapa del tiempo en las noticias, donde el presentador en realidad está señalando a una pared verde, algo totalmente diferente a lo que vemos desde casa:

tiempo

Como  ejemplo de Croma en su máxima potencia, os dejamos con una de las escenas más impactantes de DESTINO FINAL 5, donde podemos ver como a partir de esta fantástica técnica podemos crear escenas realmente impactantes:

 

ESCENA CROMA ‘DESTINO FINAL 5’

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El uso creativo del ‘Balance de Blancos’ (videopost)

Foto tomada a 4600KFoto tomada a 7500K

¿Qué es exactamente el balance de blancos? Esta indispensable opción sirve para que la cámara, según la temperatura de color que haya (método usado para cuantificar el color de la luz) siempre interprete el blanco en su mayor pureza y a partir de ahí, calcule el resto de los colores para dar una mayor fidelidad a la imagen.

Pero es posible que no queramos interpretar los colores con fidelidad, sino que busquemos otros estilos o sensaciones. Dependiendo de la escena que tengamos ante nosotros, podremos acentuar matices y crear dominantes hacia los colores cálidos o fríos.

Descubre aquí como los alumnos de Comunicación audiovisual de la universidad CEU Cardenal Herrera crean un ambiente oscuro y tenebroso a plena luz:

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Menú: Elegir idioma: Español.

Luis Varela en el doblaje de 'Up'Hoy queremos hacer un pequeño homenaje a los grandes artistas españoles que se esconden tras los actores de cualquier película extranjera:  los dobladores. Las grandes voces de nuestro país nos permiten entender cualquier cosa de la industria del cine o la televisión, venga de donde venga y sin necesidad de seleccionar los molestos subtítulos.

El proceso de doblaje de una película no es tan costoso como muchos se imaginan. Por ejemplo, una película puede ser doblada con éxito en tres jornadas de trabajo de 7 horas. Esto quiere decir que unas 20 horas, se lleva a cabo el proceso de elección de actores, adaptación del guión y minutado de los takes.Esta agilidad se debe a la profesionalidad de los que lo llevan a cabo, no les gusta llamarse dobladores sino actores de doblaje, puesto que todos ellos son verdaderos actores que, en un pequeño estudio fuera del contexto del rodaje, deben interpretar todos los sentimientos del actor original usando sólo el poder de su voz.

Para iniciarse en esta profesión no basta con tener una buena voz, hay que saber interpretar y trasladar esos matices originales de la película al idioma de destino. Por ello, en España hay escuelas de doblaje muy reconocidas que antes de cada trabajo, lo que hacen es un proceso de interpretación con el director para captar la esencia del guión original.

Una vez grabados los takes, se mezclan todas las voces con el resto de sonidos de la obra finalizando así la labor de doblaje. Pero no es nada sencillo: existen grandes horrores del doblaje, llamados así por no haberlos tratado adecuadamente. Es el caso por ejemplo de El Resplandor, una gran película con un pésimo doblaje por no haber sabido escoger a los actores adecuados.

Pero para gustos, colores. Mucha gente piensa que ver una película doblada es una atrofia de la esencia original de esta, y que el esfuerzo actoral se pierde en gran medida. Pero, ¿qué pasa cuando el espectador final no entiende el idioma origen y debe estar leyendo los subtítulos de principio a fin? Que gran parte de la interpretación, como puede ser la expresión corporal del actor, es imposible de observar al estar continuamente con la vista puesta en los subtítulos.

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Rodando con animales: Quechua.

Este anuncio dura poco más de 1 minuto, pero cada toma ha tenido que ser planificada al detalle. Quechua ha querido trabajar una vez más con la naturaleza de telón de fondo. ¿Y qué mejor forma de hacerlo que mostrarnos la estrecha relación afectiva que puede existir entre el hombre y el animal?

Buscar la perfección a la hora de rodar con animales supone el tener que disponer de mucha paciencia, pero sobre todo, tener un equipo humano excelente. En este anuncio Quechua ha contado con un oso, una lechuza, conejos y tres lobos. Una de las necesidades del éxito es la realización de un buen casting, tanto de personas como de animales: unos deben ser valientes y los otros, mansos y adiestrados.

Cada película, cada serie o cada anuncio tiene sus necesidades específicas. Al igual que El silencio de los corderos debía contar con un especialista en insectos para rodar todas las escenas de las mariposas, el anuncio de los polares de quechua tenía que contar con un equipo de adiestradores para los diferentes animales que participaban. Y así fue.

En este  caso, las imágenes hablan por sí solas. En los siguientes videos os mostraremos como este tierno anuncio se llevó a cabo, cómo el equipo de rodaje trabajó junto a los adiestradores para llevar a cabo cada plano, llegando a unos resultados excelentes donde la ternura, el hombre y la naturaleza crean la simbiosis perfecta.

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The Walking Dead: la importancia de maquillaje y peluquería

Tras casi concluir la tercera temporada de la serie de zombies de moda, queremos dedicar este post a la gran importancia que el departamento de maquillaje y peluquería puede llegar a tener detrás de las cámaras.

El artista por excelencia, tiene nombre y apellido: Greg Nicotero, un creador de efectos especiales que lleva veinticinco años trabajando como maquillador.

Greg Nicotero

Curtido en el cine de terror con grandes obras tales como “El amanecer de los muertos vivientes” o “Pesadilla en Elm Street”, el último reto a superar de este artista ha sido el de recrear la ciudad de Atlanta dominada por los zombies de The Walking Dead.

Como bien sabemos, la serie está inspirada en un cómic muy reconocido, po lo que saber captar la esencia del terror y dar realismo a los zombies era una parte clave para el éxito de la serie. Se podría decir que el 90% del éxito viene dado por el increible trabajo de maquillaje que se ha conseguido. El espectador consigue ponerse en la piel del personaje y sufrir tanto o más que él.

zombie

Cuenta Nicotero en una entrevista al blog de la serie creado por la AMC, que una de las dificultades era que los en la historia los zombies morían lentamente de hambre, por lo que era necesario que unos estuvieran más ‘frescos’ y otros más descompuestos.  Por eso, el trabajo aumentaba considerablemente.

Hay que tener en cuenta que los zombies de The walking Dead pasan hambre, y esto significa que todo aquello que encuentren a su paso lo devorarán: desde personas, hasta caballos. Esto implica que el canibalismo y la sangre debe ser protagonista de las escenas. ¿Cómo hacer que salga tanta sangre por la boca de estos muertos vivientes? Nicotero explica la AMC, que para ello ha creado un dispositivo colocado en su cabeza de aire comprimido. Este aparato lleva un tubo que hay que rellenar de la falsa sangre, conectado a una pequeña bomba de aireque se activará con el pie y dejará expulsar un potente chorro para dar más realismo a la escena.

caballo

En la primera temporada una de las apariciones más comentadas fue la zombie sin piernas que Rich encuentra en su camino, os dejamos con un video muy interesante de la transformación de esta actriz, conocida en el cómic como ‘la chica de la bicicleta:

Transformación en ‘La chica de la bicicleta’.

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En las entrañas de ‘Lo imposible’

Lo imposible ha supuesto un antes y un después en la percepción internacional de lo que puede llegar a ser el cine español. Desde el anuncio de su estreno, de la mano de Juan Antonio Bayona y su equipo técnico, la película ya auguraba ser todo un espectáculo audiovisual. Recrear el Tsunami que sufrió Tailandia en el 2006, era todo un reto para el director de Lo imposible. Además, está basada en la historia real de una familia española que estaba pasando allí sus vacaciones cuando sucedió.

Averigüemos algunas de las dificultades que el equipo tuvo que superar para recrear esa gigantesca ola, la gran riada y todo el desastre que Tailandia vivió aquel día.

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Cuenta Bayona, en una entrevista para Canal+, que para recrear la ola no podían abusar de los efectos digitales porque no daría la sensación de realidad que buscaban. La primera dificultad surgió cuando decidieron que todas las escenas de los personajes se grabarían en Tailandia, pero lo que es el momento de la gran ola, se grabaría en Alicante. El gran problema aquí surge con la luz, porque la inclinación del sol es muy diferente de la que hay en Tailandia a la que hay en Alicante. Sólo había dos horas al día en el que la luz se parecía un mínimo, por lo que tenían ese poco margen para realizar la toma y poder después en post producción combinar ambos escenarios.

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¿Y cómo recrear esa ola? Sin duda, el tsunami debía realizarse a escala, tres veces más pequeño que la ola real. El equipo de Bayona contactó con una empresa de Edimburgo que se dedica a crear olas para parques de atracciones y otros espectáculos audiovisuales, y junto con el equipo de efectos especiales de la película diseñaron las máquinas para reproducir esa ola.

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Para ello, se realizó una gran maqueta de toda la terraza del hotel donde llega la ola a una escala 3 veces menos a la original. Tan sólo se rodó una toma, por lo que se colocaron tantas cámaras en la maqueta como planos tenía la escena. Después de todo el rodaje, el departamento de efectos digitales de Félix Bergés, tenía que ser capaz de combinar mediante capas las escenas rodadas en alicante (ola) con las escenas del hotel (Tailandia). En palabras de Bergés, “lo más difícil ha sido integrar todos los elementos que hemos metido en 3d en el agua y crear ese ambiente de riada”.

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La segunda parte constaba en esa riada, muy compleja porque había que reproducir un canal de agua que mostrara la fuerza del agua al arrastrar a los personajes (todo rodado en Alicante). El secreto estaba en llenar el escenario de bombas de agua, alrededor de 30 bombas repartidas por todos los puntos. El movimiento de los actores cuando la riada les empujaba se consiguió con el uso de unos raíles que pudiera tener controlados sus movimientos y la velocidad con la que avanzaban.

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Otra dificultad, era la de recrear esa extensión tan grande de agua durante la riada, lo que se consiguió también con los efectos digitales: agua, palmeras, hotel… incluso algún extra se consiguió digitalmente.

En el agua tan turbia la visibilidad era nula, por tanto, cada vez que la cámara se adentraba dentro del agua, había que cortar e irse a un plató interior en Ciudad de la Luz y rodar ahí en plano, combinando constantemente planos rodados en interior con planos rodados en exterior.

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En palabras de Bayona, “realmente fue un rodaje tan duro como especial, la experiencia vital más intensa que he tenido en mi vida ha sido rodar esta película”.

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Porque nada es lo que parece… Los efectos de sonido en las películas.

Cuando nos sentamos en la butaca del cine, nos adentramos en una atmósfera muy especial: una pantalla enorme en la que disfrutaremos de un (seguramente) espectáculo visual, ese sensacional olor a palomitas recién hechas, la oscuridad de la sala y, por supuesto, el sonido que da vida a la película.

Actualmente, cualquier película que se precie debe tener muy en cuenta lo que el espectador ve y escucha. Hacer de lo ficticio algo real. ¿Y cómo se consigue esto? Es increíble la cantidad de trucos que los especialistas pueden llegar a utilizar para recrear hasta el más mínimo detalle de sonido en la postproducción de una película. Tomad nota, aquí van algunos ejemplos caseros para dar ese toque de realidad a vuestras grabaciones:

– Cuando queremos recrear el sonido de una fogata, basta con tener a mano una bolsita de plástico y lentamente, arrugarla con las yemas de los dedos. Así conseguiremos un sonido bastante real de las chispas y el crujir de las ramas.

– Si nuestra película tiene alguna escena de lucha de espadas, lo mejor que podemos hacer para imitar su sonido, es utilizando un par de cucharones de cocina y chocar sus mangos. Y para desenvainar la espada, podemos afilar cualquier cuchillo para dar más realismo a la acción.

– Para acentuar el portazo de una puerta, cuando el sonido real no es el deseado, podemos marcar la acción mucho más si registramos el sonido de un libro pesado desde una altura considerable como cae al suelo.

– Los técnicos de Disney en sus inicios, figuraban el sonido de los trenes y locomotoras moviendo el pedal de las antiguas máquinas de coser.

– Si queremos recrear un día con mucho viento, es posible crear nuestra propia máquina de viento artificial simplemente haciendo girar una rueda de madera sobre una lona rasgada. Cuanto más rápido la gires, más viento parecerá que hace. Sino, podemos arrastrar algún objeto grande y pesado por un suelo enmoquetado, quedando un efecto muy real de viento.

sonido lluvia

– Una vez tenemos el viento, podemos combinarlo con una gran tormenta. Y es tan sencillo como conseguir una lámina metálica (no rígida), que moviéndola con la mano y golpeándola conseguiremos el efecto buscado, ese retumbe propio de los truenos a muy bajas frecuencias. Esto también se puede usar por ejemplo, para el despegue de un avión.

– Los sonidos que nosotros mismos podemos imitar con nuestra voz también tienen una gran fuerza expresiva. Probad a imitar el susurro del viento, el rebuznar de un caballo y todo lo que se os ocurra, porque las cuerdas vocales tienen una gran cantidad de posibles registros con al forzarlas mínimamente.

Por último os dejamos con un par de vídeos donde profesionales del sonido en cine nos muestran los resultados obtenidos con la correcta utilización de cualquier objeto para imitar acciones.

Juego de tronos

Wall-E

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El resultado audiovisual de los MTV EMA 2012

La realización de un gran evento televisivo siempre supone un quebradero de cabeza para el equipo técnico responsable. Cuando este trabajo se hace bien, se consigue que el espectador disfrute ante la pantalla. Dada la importancia de la profesión del realizador, queremos dedicar este post a las maravillas de un espectáculo audiovisual televisivo, en este caso, la gala de los MTV EMA 2012. ¡Esperamos que os guste!

[View the story “Así fueron los MTV EMA 2012” on Storify]

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