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Descubriendo ‘La Hora Mágica’ (Videopost)

En el videopost de hoy os vamos a mostrar in situ uno de los conceptos más interesantes y sorprendentes en el mundo de la fotografía y el cine: ‘la hora mágica’. Es un momento concreto del día en el que la temperatura de color de la luz sube mucho, consiguiéndose unas tonalidades muy óptimas para la grabación y la toma de fotos. Directores como Stanley Kubrick trabajaron mucho este tipo de iluminación, como podemos ver en La Chaqueta Metálica, y en definitiva es un recurso frecuentemente empleado, aunque limitado por su escasa duración.

En el video que os presentamos a continuación os explicamos en profundidad el concepto, y además os mostramos algunos ejemplos muy ilustrativos con la intención de animaros a que vosotros también aprovechéis este mágico momento del día. Esperamos que los disfrutéis.

PD: disculpad la baja calidad del sonido.

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¿Qué cámara de video me compro?

Hasta ahora, este blog ha sido fiel a su nombre y os ha mostrado todo lo que rodea al mundo audiovisual más allá de las cámaras. Aquello que no vemos pero que supone la esencia de cualquier producto audiovisual. En esta ocasión, vamos a dedicar este post a las grandes protagonistas de que todo esto sea posible: las cámaras.

Es posible que muchos de vosotros esteis pensando en adquirir un cámara de video y os surga la duda en torno a elegir una clásica videocámara, o una cámara réflex con grabación de video. No puedo evitar decantarme por la segunda opción, y una vez expuesta mi predilección personal creo que sería oportuno establecer una diferenciación entre ambas que os ayudará a tener más clara la decisión.

Las ventajas de una cámara réflex con grabación de vídeo es sin lugar a duda su relación “calidad cine” a bajo precio. Me explico. Muchas de estas cámaras ofrecen tecnología de grabación Full Frame, que se obtiene gracias a un sensor fotográfico de pequeño tamaño que proporciona un contraste y una calidad de imagen que conocemos coloquialmente como “look cine”, ya que obtiene resultados equiparables a los de una cámara de cine, que vendría a costar unos 6000 mil euros.

En segundo lugar, además de esta calidad de imagen que no deja a nadie indiferente, debemos recordar que estamos ante una cámara pensada por encima de todo para tomar fotos, y de ahí que su nitidez, textura o contraste sean más propios de la fotografía. Además estas cámaras permiten hacer numerosos ajustes y jugar con la profundidad gracias a sus objetivos intercambiables, que dotan en su aplicación al video de resultados novedos y estéticamente muy interesantes.

 

Nikon D 3200Explicadas las ventajas pasamos a comentar las desventajas, que son considerables, pero que con una buena práctica en el manejo acaban siendo soportables y evitables. Para empezar, son cámaras más pesadas y de difícil manejo siempre que trabajemos sin herramientas que evitan los temblores como una steadycam. No cuentan pues con una tecnología de estabilización muy adecuada, y son pocas las que ofrecen un enfoque automático conseguido, cosa que es habitual encontrar en una videocámara, más pensada para esos usos. Su enfoque crítico, más acentuado en las Canon que en las Nikon, hacen que para los videoaficionados más inexpertos sea casi desesperante dominar a la cámara y que no sea esta la que te domine.

 

Además, suelen recalentarse con rápidez, e incorporan un sistema que rara vez permite grabar clips de más de diez minutos, llegando a apagarse el aparato automáticamente si esto ocurre. Por otro lado, se graban videos muy pesados con las réflex, siendo necesaria una tarjeta SD de gran capacidad o llevar con nosotros un potente ordenador para volcar poco a poco el contenido que vayamos filmando.

 

Cámara de videoAsí con todo, recomendamos una cámara réflex porque adquiriendo un aparato como la Canon EOS 5D, que ronda los 1500 euros se obtienen resultados que solo ofrecen cámaras compactas de video profesionales mucho más costosas. Pero claro, todo dependera de vuestras necesidades de uso y lo lleno o vacio que esté vuestro bolsillo. Quizás sería más oportuno recomendar la adquisición de una cámara que este a medio cámino entre las cámaras más domésticas y las que ofrecen resultados ya profesionales. En este sentido, una cámara réflex de iniciación al estilo de la Nikkon D3200, recientemente sacada al mercado, puede brindarnos, con sus hasta 24 megapíxeles, una calidad excepcional a un módico precio que ronda los 450 euros.

Nosotros solo hemos tratado de orientaros. Sois vosotros los que debéis elegir, y para ello, en ‘Detras de las Cámaras’, os dejamos una serie de reviews en las que diferentes profesionales desnudan al completo a “los ojos” de nuestro querido séptimo arte.

¿Cómo leemos el encuadre?

CH

Los cineastas experimentan mucho sobre cómo los ojos del espectador leen o interpretan el encuadre. Quizás esta visión la podemos trasladar directamente a la publicidad ya que son éstos los que precisamente más lo tienen estudiado. No obstante, en imagen ambos mundos son completamente paralelos. Así pues, el siguiente post pretende señalaros cómo se configura una buena puesta en imagen o encuadre para conseguir una buena interpretación o lectura de la audiencia. Para ello, usaremos el siguiente cartel de la campaña publicitaria ‘Carolina Herrera CH’, que nos vende el nuevo perfume de la marca.

En la imagen vemos a una chica joven, de unos 20 años, que se está quitando un gran vestido de gala rojo. Está sentada mirando hacia delante, probablemente a un espejo. Lleva debajo un corsé de cuero rojo y está peinada con un moño. Vemos que la habitación es bastante clásica, recuerda a una especie de palacio inglés por las cortinas, la cómoda, la lámpara, la silla, las ventanas o el pequeño sofá y almohadones del fondo. El suelo está cubierto de frascos del perfume anunciado y en primer plano, en la esquina inferior derecha, tenemos uno de ellos mucho más ampliado y detallado, y a su lado, el logo de la marca. Todos esos perfumes se representan como puntos de atención en la mente del lector.

El punto no es arbitrario. Se estudia su colocación para desviar la mirada del lector donde se desea.

El punto no es arbitrario. Se estudia su colocación para desviar la mirada del lector donde se desea.

La historia es la de una chica que, pese a vivir en una casa de gran lujo, se aleja de los convencionalismos y pretende ser independiente y tener personalidad propia. Es una joven que se mira directamente al espejo y le gusta lo que ve. Una chica que se está quitando un gran vestido de gala para quedarse con un sexy corsé, una vestimenta muy rompedora para tanto formalismo.

A pesar de lo clásico que es su cuarto, ella se siente moderna pero tampoco quiere decir que rechace de pleno todo lo que tiene sino que sabe compaginar las dos cosas, de ahí la ineludible elegancia que desprende, con su peinado por ejemplo. Además está segura de sí misma y aunque se está cambiando de forma sensual, tiene las ventanas al descubierto siendo incluso un día soleado, pero no le molesta que la puedan ver, de hecho lo que le atañe es mirarse al espejo fijamente y demostrarse a sí misma que lo que importa es ella. Por estas cualidades se considera divertida y rompedora.

Ella sabe que ser así es algo que a su entorno no le gusta, de ahí los grandes triángulos de inestabilidad que forman la imagen. Ella sabe que rompe con lo que para su familia es lo habitual y normal. De ahí todas las formas cuadradas del cuarto (cojines, cajones…), que reflejan estatismo y firmeza frente a los círculos y curvas de su cuerpo y vestido. Sin mencionar el cuero, que representa agresividad y valentía. Una valentía que hay que tener para olvidarse de dónde viene y lanzarse a la vida que ella quiere.

En una imagen el triángulo significa inestabilidad; el círculo equilibrio y perfección; y el cuadrado firmeza y estatismo.

En una imagen el triángulo significa inestabilidad; el círculo equilibrio y perfección; y el cuadrado firmeza y estatismo.

Todo esto lo hemos extraído de la lectura hecha y todos los valores que hemos dicho que representa la joven se trasladan al perfume. Así que lo que quiere la marca es atraer a su público objetivo, un público caracterizado por ser independiente, moderno, seguro de sí mismo, divertido, elegante y que sabe lo que quiere.

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Mirada al Cine de la Movida madrileña

Ayer nuestra blogera Maria nos mostró una de las corrientes cinematográficas más transgresoras de la historia del cine, el Cine Dogma danés. Hoy me dispongo a mostraros nuestra particular corriente cinematográfica rompedora: el Cine de la  Movida Madrileña. Como ya sabéis, la Movida Madrileña fue todo un movimiento contracultural que envolvió con fuerza todas las expresiones artísticas influyendo especialmente al séptimo arte, destacando directores como Fernando Trueba, Pedro Almodóvar, Fernando Colomo o Manuel Iborra.

Fernando Trueba: Oscar con 'Belle Époque' (1994).

Fernando Trueba: Oscar con ‘Belle Époque’ (1994).

¿Por qué surgió este movimiento? Muy simple. Ante un estado de opresión de las libertades de expresión es normal que brotara con el final del Franquismo un sentimiento de hambre de libertad; una necesidad imperiosa de romper con las tradiciones anteriores para demostrar a España, que todo lo que siempre se había ocultado estaba ahí, bien presente, y deseando expresarse de viva voz.

Esos temas antes tabúes o simplemente censurables hasta las últimas consecuencias, eran los que ahora radiaban con mucho ímpetu, pero quizás sin demasiado autocontrol. Hablamos de las drogas, la prostitución, la sexualidad explícita, los dramas pasionales, la vida nocturna, la homosexualidad , transexualidad y la vida del inframundo urbano, entre otros temas.

Fernando Colomo: 'La Mano Negra' (1980) es su obra más destacada.

Fernando Colomo: ‘La Mano Negra’ (1980) es su obra más destacada.

Si bien no se puede hablar de un estilo que tenga unas características técnicas concretas o que emplee unos recursos cinematográficos reconocibles  y definibles en comparación a otros estilos, sí podemos hablar de un estilo marcado en la configuración o definición de los personajes. En el franquismo las películas mostraban a la España rural, la España humilde y cercana. Con la transición nos adentramos en el estrés de la ciudad, donde las tramas están llenas de obsesiones, estrés, dramas, historias imposibles o incluso sinsentidos, con personajes que ahora son un estandarte de la cultura snob, transgresores y hasta radicales, a la par que confusos y oscuros. Lo que antes era una simple suma, ahora es una difícil ecuación que sume al espectador en una indecisa interpretación de lo que está viendo. Adiós a los personajes entrañables con los que rápidamente nos  identificábamos –personajes al más puro estilo de Paco Martínez Soria–, y bienvenido el ‘modelo Almodovar’, con personajes cuyos traumas o desavenencias son llevados a los últimos extremos.

Manuel Iborra: 'Caín' (1986) puede ser su obra más destacada.

Manuel Iborra: ‘Caín’ (1986) puede ser su obra más destacada.

En ‘Detrás de las Cámaras’ queremos despertaros el interés por conocer los siguientes títulos y a sus directores,  viéndolos no desde la perspectiva sociocultural de ahora, sino en los ojos de estos jóvenes cineastas que crecieron siendo acallados, hasta que un día se les abrió la puerta para enseñar el mundo tal y como es, y de paso quitar las vendas que nuestra sociedad llevó durante décadas en los ojos.

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La importancia de la música en cine

Muy a nuestro pesar,  hay una tendencia generalizada a valorar una película atendiendo exclusivamente a la calidad y grandeza de su imagen o a la profundidad del guión. De ahí, que en gran parte se califique como buena o mala. No estamos diciendo que no sea importante pero hay algo muy importante a tener en cuenta que se pasa bastante por alto: la música o banda sonora.

La calidad de un film puede variar en función de este último parámetro y es que, la sonorización de una película es una gran herramienta de ambientación para determinadas escenas. Muchos de los grandes compositores ayudan a reforzar pasajes alegres, melancólicos, terroríficos o de acción. Tanto es así, que no son pocas las ocasiones en las que un director no ve que su pieza funciona hasta encontrar una buena música. De hecho, varias veces se han tenido que contratar a varios compositores con la esperanza de que alguno de ellos de en el clavo. La música expresará aquellos sentimientos, circunstancias, pensamientos e ideas que podrán alcanzar y traspasar la sensibilidad del espectador y conseguir una transformación psicológica en él.

Bernard Herrmann fue un compositor estadounidense especializado en el género cinematográfico. Galardonado con un premio de la Academia a la mejor música de película dramática por su trabajo, ‘El hombre que vendió su alm’a (1941), es principalmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles (‘Ciudadano Kane’, ‘La guerra de los mundo’s) y con Alfred Hitchcock, director con el que Herrmann cosechará la mayoría de sus grandes éxitos (‘Vértigo’, ‘El hombre que sabía demasiado’, ‘Psicosis’).

Os mencionamos a esta figura de la música cinematográfica por una frase que va a dirigir el contenido de lo que qeda del post: “La música debe suplantar lo que los actores no alcanzan a decir, puede dar a entender sus sentimientos, y debe aportar lo que las palabras no son capaces de expresar”.

Respecto a esta frase de Herrmann, el equipo de ‘Detrás de las Cámaras’ ha elaborado un pequeño experimento en el que podremos ver que, con la misma secuencia pero con diferente música, la interpretación de la actriz, la historia y la atmósfera de las imágenes pueden variar completamente.

En el primer vídeo, hemos colocado una música de misterio a las imágenes. Por ello, parece que cuando la chica mira por la ventana está tramando algo, o incluso espiando a alguien. Por su mirada, incluso podemos descifrar que hay odio en ella y que lo que está pensando lo está haciendo de forma oculta a las demás personas.

En el segundo vídeo la historia cambia completamente. Se trata de una música alegre. Podríamos pensar perfectamente que la mirada de esa chica tenebrosa, ahora cambia a feliz. Parece que está mirando por la ventana de un cuarto de hotel en el que está disfrutando del paisaje y de sus vacaciones. La cosa no es para nada parecida al anterior ejemplo.

El tercer vídeo es mucho más melancólico. Le hemos puesto una música triste que recuerda a un desamor. En este caso, la joven está mirando por la ventana recordando a un amor pasado o un amor que no pudo ser, o incluso, viendo cómo su amor se aleja poco a poco sin que ella pueda hacer nada. Ahora, su rostro refleja tristeza, y tal vez, nos podríamos imaginar que el brillo de sus ojos puede acabar en alguna lágrima.

Finalmente, el último clip tiene una atmósfera terrorífica. En él, podríamos pensar que la chica va a ser atacada por detrás de un momento a otro sin darse cuenta del peligro que está corriendo. Cuando en las demás secuencias ella era el punto de mira, en ésta estamos muy pendientes de qué puede pasar por sus espaldas.

Bueno, y aquí os dejamos nuestro pequeño experimento que recalca la importancia de una buena banda sonora en una película para transmitir diferentes sensaciones. Es importante agradecer y mencionar la ayuda de la modelo: Gloria García Giménez (@Glowely), la cual se ha prestado sin ningún inconveniente.

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La revolución de 1995: El Dogma

dogme-951¿Podríais imaginaros una película sin escenarios decorados, sin sonido extradiegético, sin focos de iluminación o sin el empleo del trípode o la dolly? En efecto, esto existe, y no nos referimos a las antípodas del cine. Tan sólo tenemos que retroceder hasta 1995 para observar cómo un grupo de directores daneses revolucionó la gran pantalla en la búsqueda de la esencia del cine.

En 1995 el cineasta danés Lars Von Trier junto a Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen, entre otros directores, ante la increible amalgama de cine comercial que la industria cinematográfica estaba explotando, decidieron recuperar la esencia del arte del cine.

Según ellos, sólo despojando al cine de efectos y recursos especiales podría volverse a la verdad esencial que, con la naturalidad de una instantánea es posible captar a través de la cámara.

Para forjar su movimiento, los directores escribieron un documento llamado Voto de castidad, donde planteaban la necesidad de cambiar la esencia del cine y se comprometían a dirigir sus películas respetando una serie de extrictas normas, a través de las cuales buscaban la verdad profunda:

VOTO DE CASTIDAD

Juro someterme a las siguientes redactadas y confirmadas por DOGME 95:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locación. No se puede decorar ni crear un “set”. Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).

3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).

4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).

5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).

7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corrobar que la película tiene lugar aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Desde ahora en adelante prometo como director no ejercer ningún tipo de gusto personal. Ya no soy un artista. Desde ahora en adelante prometo no crear una “obra”, ya que considero que el instante y el ahora son más importantes que todo el producto. Mi meta absoluta es forzar la verdad de mis personajes. Prometo hacerlo a toda costa dentro de mis posibilidades y a costa de cualquier buen gusto estético.

Es por ello que hago mi VOTO DE CASTIDAD

Copenhage, Lunes 13 de marzo de 1995

En nombre del DOGME 95

Lars von Trier – Thomas Vinterberg

 

Si tenéis curiosidad por ver el resultado de una de las películas que se han rodado siguiendo todas estas pautas, aquí os dejamos con Los idiotas, del director y fundador de este movimiento, Lars Von Trier.IDIOTERNE

PELÍCULA ‘LOS IDIOTAS’, LARS VON TRIER

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La magia del Chroma Key

El croma o Chroma Key es una de las técnicas audiovisuales más recurrentes que se utiliza tanto en cine, televisión o fotografía para suplantar una imagen por otra.

Simplemente consiste en extraer uno de los colores primarios de la imagen, normalmente el verde o el azul y reemplazar el áreaq que ocupaba ese color por otra imagen. El rojo no se podría usar si van a haber personas en la escena, porque la piel tiene tonalidades rojizas y habrían interferencias de color.

Esto se hace sobre todo cuando es técnicamente imposible rodar a los personajes en el escenario deseado. Un ejemplo, Por ejemplo, si queremos grabar una escena de un hombre volando, es muy fácil hacerlo recurriendo al croma:

Croma

Eso sí, hay que tener en cuenta que ningún objeto que intervenga en la escena puede ser del mismo color que el croma, porque entonces la imagen que se inserte para sustituirlo, también se reflejará sobre este objeto.

Para que el fondo reproduzca el mismo movimiento de cámara que la imagen original, durante el rodaje se fijan en la pared del plató unos puntos de rastreo que después son detectados por el ordenador y su movimiento transferido al nuevo fondo. Otra técnica para lograr esto, muy utilizada en televisión, consiste en rodar en un “plató virtual” cuyas cámaras tranmiten en directo las coordenadas de sus movimientos al ordenador, y este a su vez las aplica, también en tiempo real, al nuevo fondo, un escenario creado digitalmente en 3 dimensiones.

El principal problema de los directores de fotografía tanto para cine, publicidad o televisión es conseguir un color uniforme en el que el ciclorama esté iluminado uniformemente, sin sombras ni arrugas. Uno de los ejemplos más típicos de croma y que vemos todos los días en la televisión es el mapa del tiempo en las noticias, donde el presentador en realidad está señalando a una pared verde, algo totalmente diferente a lo que vemos desde casa:

tiempo

Como  ejemplo de Croma en su máxima potencia, os dejamos con una de las escenas más impactantes de DESTINO FINAL 5, donde podemos ver como a partir de esta fantástica técnica podemos crear escenas realmente impactantes:

 

ESCENA CROMA ‘DESTINO FINAL 5’

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El uso creativo del ‘Balance de Blancos’ (videopost)

Foto tomada a 4600KFoto tomada a 7500K

¿Qué es exactamente el balance de blancos? Esta indispensable opción sirve para que la cámara, según la temperatura de color que haya (método usado para cuantificar el color de la luz) siempre interprete el blanco en su mayor pureza y a partir de ahí, calcule el resto de los colores para dar una mayor fidelidad a la imagen.

Pero es posible que no queramos interpretar los colores con fidelidad, sino que busquemos otros estilos o sensaciones. Dependiendo de la escena que tengamos ante nosotros, podremos acentuar matices y crear dominantes hacia los colores cálidos o fríos.

Descubre aquí como los alumnos de Comunicación audiovisual de la universidad CEU Cardenal Herrera crean un ambiente oscuro y tenebroso a plena luz:

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Rodando con animales: Quechua.

Este anuncio dura poco más de 1 minuto, pero cada toma ha tenido que ser planificada al detalle. Quechua ha querido trabajar una vez más con la naturaleza de telón de fondo. ¿Y qué mejor forma de hacerlo que mostrarnos la estrecha relación afectiva que puede existir entre el hombre y el animal?

Buscar la perfección a la hora de rodar con animales supone el tener que disponer de mucha paciencia, pero sobre todo, tener un equipo humano excelente. En este anuncio Quechua ha contado con un oso, una lechuza, conejos y tres lobos. Una de las necesidades del éxito es la realización de un buen casting, tanto de personas como de animales: unos deben ser valientes y los otros, mansos y adiestrados.

Cada película, cada serie o cada anuncio tiene sus necesidades específicas. Al igual que El silencio de los corderos debía contar con un especialista en insectos para rodar todas las escenas de las mariposas, el anuncio de los polares de quechua tenía que contar con un equipo de adiestradores para los diferentes animales que participaban. Y así fue.

En este  caso, las imágenes hablan por sí solas. En los siguientes videos os mostraremos como este tierno anuncio se llevó a cabo, cómo el equipo de rodaje trabajó junto a los adiestradores para llevar a cabo cada plano, llegando a unos resultados excelentes donde la ternura, el hombre y la naturaleza crean la simbiosis perfecta.

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The Walking Dead: la importancia de maquillaje y peluquería

Tras casi concluir la tercera temporada de la serie de zombies de moda, queremos dedicar este post a la gran importancia que el departamento de maquillaje y peluquería puede llegar a tener detrás de las cámaras.

El artista por excelencia, tiene nombre y apellido: Greg Nicotero, un creador de efectos especiales que lleva veinticinco años trabajando como maquillador.

Greg Nicotero

Curtido en el cine de terror con grandes obras tales como “El amanecer de los muertos vivientes” o “Pesadilla en Elm Street”, el último reto a superar de este artista ha sido el de recrear la ciudad de Atlanta dominada por los zombies de The Walking Dead.

Como bien sabemos, la serie está inspirada en un cómic muy reconocido, po lo que saber captar la esencia del terror y dar realismo a los zombies era una parte clave para el éxito de la serie. Se podría decir que el 90% del éxito viene dado por el increible trabajo de maquillaje que se ha conseguido. El espectador consigue ponerse en la piel del personaje y sufrir tanto o más que él.

zombie

Cuenta Nicotero en una entrevista al blog de la serie creado por la AMC, que una de las dificultades era que los en la historia los zombies morían lentamente de hambre, por lo que era necesario que unos estuvieran más ‘frescos’ y otros más descompuestos.  Por eso, el trabajo aumentaba considerablemente.

Hay que tener en cuenta que los zombies de The walking Dead pasan hambre, y esto significa que todo aquello que encuentren a su paso lo devorarán: desde personas, hasta caballos. Esto implica que el canibalismo y la sangre debe ser protagonista de las escenas. ¿Cómo hacer que salga tanta sangre por la boca de estos muertos vivientes? Nicotero explica la AMC, que para ello ha creado un dispositivo colocado en su cabeza de aire comprimido. Este aparato lleva un tubo que hay que rellenar de la falsa sangre, conectado a una pequeña bomba de aireque se activará con el pie y dejará expulsar un potente chorro para dar más realismo a la escena.

caballo

En la primera temporada una de las apariciones más comentadas fue la zombie sin piernas que Rich encuentra en su camino, os dejamos con un video muy interesante de la transformación de esta actriz, conocida en el cómic como ‘la chica de la bicicleta:

Transformación en ‘La chica de la bicicleta’.

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