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Descubriendo ‘La Hora Mágica’ (Videopost)

En el videopost de hoy os vamos a mostrar in situ uno de los conceptos más interesantes y sorprendentes en el mundo de la fotografía y el cine: ‘la hora mágica’. Es un momento concreto del día en el que la temperatura de color de la luz sube mucho, consiguiéndose unas tonalidades muy óptimas para la grabación y la toma de fotos. Directores como Stanley Kubrick trabajaron mucho este tipo de iluminación, como podemos ver en La Chaqueta Metálica, y en definitiva es un recurso frecuentemente empleado, aunque limitado por su escasa duración.

En el video que os presentamos a continuación os explicamos en profundidad el concepto, y además os mostramos algunos ejemplos muy ilustrativos con la intención de animaros a que vosotros también aprovechéis este mágico momento del día. Esperamos que los disfrutéis.

PD: disculpad la baja calidad del sonido.

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‘La Vida de Pi’, perfecta sincronía del 3D con lo real

La compañía del director canadiense (Cameron Pace Group) está detrás del increíble 3D de ‘La vida de Pi‘, la nueva película de Ang Lee. El director taiwanés ha adaptado el best-seller de Yann Martel sobre las aventuras de un joven indio que, tras un naufragio, se encuentra en un bote salvavidas que va a la deriva por el Pacífico. Sus únicos compañeros son una hiena, una cebra, una orangután y un tigre de bengala.

En un principio, Lee fue el primero en pensar que utilizar el 3D en el film iba a ser un proyecto imposible pero que si le añadía otra dimensión podría ser posible, que añadirlo podría abrirle la mente. James Cameron, propietario de Cameron Pace Group, ya tiene experiencia en el terreno después de haber vivido en primera persona el éxito de una de las mejores películas de la historia: ‘Avatar’. Para él, dejarse llevar en la sala de cine por un gran cineasta como Lee es algo fantástico. Y para ello, piensa que el 3D ayuda en gran medida. Por otro lado, Vince Pace, otro de los grandes de Cameron Pace Group, opina que las técnicas digitales utilizadas y la historia encajan perfectamente, lo que hace del largometraje una sintonía de arte en estado puro. El 3D es parte integrante de ese arte.

En este vídeo de ‘La vida de Pi’, Lee cuenta cómo uno de los retos de la película fue el propio animal: “Hubo que usar imágenes generadas por ordenador. De otra manera, algunas escenas habrían sido imposible de filmar”. Solo en la piel del tigre trabajaron más de quice dibujantes. Alguien tenía que controlar y colocar los diez millones de pelos que cubren su cuerpo. Tenían a gente en Los Ángeles, en la India, y algunos otros dibujantes en Vancouver y en Kuala Lumpur, todos trabajando sobre Richard Parker, el tigre.

Con ‘Avatar‘ como hermana gemela, y quizás también con John Carter, ‘La vida de Pi’ llega a los cines con ganas de ilusionar al público, de demostrar que la narración de historias clásicas respaldadas por el uso del CGI, los efectos especiales y una infinita paleta de colores puede cobrar vida en una sala de cine, más si cabe con un impresionante uso del 3D que por seguro deja algunas de las mejores secuencias del año.

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Diario de un Meritorio

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El equipo de ‘El Amor no es lo que era’.

Según Jaime Barroso, Profesor Titular de Universidad de Teoría y Técnica de la Realización Televisiva de la Universidad Complutense de Madrid, en el terreno del rodaje cinematográfico, un meritorio se encuentra disponible a las órdenes de los ayudantes para desempeñar cualquier tipo de tarea. Es casi un recadero. Se encarga de reservar espacios para el equipo, cortar tráfico, hacer silencio entro los mirones y controlar la figuración cuando no rueda. Es una persona para “todo”.

Pues qué poco se equivoca Barroso y lo dice un servidor que ha vivido en carnes la dificultad de esta tarea. Así pues, uno de nosotros, concretamente yo, Adrián, he estado haciendo prácticas en un rodaje de cine profesional. La película en cuestión fue ‘El Amor no es lo que era‘, un largometraje producido por ‘Tv On‘ y ‘Tarannà Films‘, dirigido por el valenciano, y primerizo, Gabi Ochoa y protagonizado por Alberto San Juan, Blanca Romero, Nicolás Coronado, Aida Folch, Carlos Álvarez Novoa y Petra Martínez. Por lo tanto, este post pretende contaros la experiencia en primera persona de un día en un terreno tan maravilloso como es la producción de una obra del séptimo arte.

Cuando no tienes ni idea de cómo se funciona todo parece un caos. Está claro que la teoría es algo inevitable e imprescindible de saber, pero más aún la práctica. Hasta este momento, yo era un simple alumno de 5º de Comunicación Audiovisual. Supuestamente, poco más me quedaba aprender pero estaba muy equivocado. “El rodaje no es un trabajo, es una forma de vida” dijo Jose Manuel Sospedra, jefe del departamento de sonido. Y cuánta razón tiene.

Todos los meritorios juanta a Blanca Romero y Alberto San Juan.

Todos los meritorios juanto a Blanca Romero y Alberto San Juan.

Para empezar, los despertares son muy difíciles y es que, cada día significa un horario diferente cuando contamos con las horas justas de luz. Esa luz, necesaria para los planos en exteriores, determina el plan de rodaje. Pero también todo lo contrario, el no requerir luz era también algo imprescindible a tener en cuenta. Por norma general, después de recogernos con la furgoneta de producción que nos destinaron, nos asegurábamos de que todos los aparcamientos, que se habían solicitado previamente, estaban completamente libres de coches ajenos al equipo. En caso de que hubieran, intentábamos buscar al propietario o, en el peor de los casos, no tener otro remedio que llamar a la grúa. Cuántas multas habrán puesto por nuestra culpa…

Tras colocar y tener controladas todas las furgonetas, camiones, coches, grupos, etc., lo siguiente era preparar la zona comúnmente llamada “maq y pelu”. Era ese lugar en el que montábamos todos los espejos de maquillaje y peluquería, colocábamos moquetas y biombos para las chicas de vestuario y la mesa de la segunda ayudante de dirección, desde la cual hacía todo su trabajo, entre otras cosas, las órdenes del día. Era un proceso costoso y muy pesado ya que eran muchas las cajas, tablones y espejos que teníamos que transportar. Sin embargo, a la semana ya estábamos más que acostumbrados. Eso no quita que cuando no habían desplazamientos de lugar en el mismo día no saltáramos de alegría.

Mientras unos montaban “maq y pelu”, otro se encargaba de poner el llamado “catering”, dos caballetes y un tablón sobre el que apoyar el desayuno del equipo. El café debía estar preparado y la bollería recogida de un horno espectacular de Ángel Guimerá. Madre mía cómo nos hemos puesto a chocolate. Por supuesto, siempre debía de haber agua y vasos en el set de rodaje. Por si alguien del equipo necesitaba.

El equipo de Producción al completo.

El equipo de Producción al completo.

Como la mayoría de los días rodamos en la calle, o cerca de ella, tarea de los meritorios era que gente o coches ajenos al rodaje no aparecieran en plano. En el mismo hilo, era imprescindible pedir silencio antes de cada toma. Cuánto ha costado que toda la gente de un hospital o viandantes de la calle no hablaran cuando íbamos a rodar. También hubo algún que otro despiste. En mi caso, pasé mucha vergüenza cuando me sonó el móvil y se tuvo que cortar la toma.

Además de esto, que no era difícil, los días que había figuración la cosa se complicaba mucho más. Teníamos que estar pendientes de que todo el mundo que asistía al rodaje firmara la correspondiente cesión de derechos de imagen antes de poder salir a escena. Además, en varias ocasiones, nos tocaba organizarla y distribuirla de tal forma que quedara perfecta en el encuadre. Sin llamar demasiado la atención y cubriendo huecos vacíos en el plano. Los días que se nos juntaban más de 40 señoras mayores era todo un infierno.

Al finalizar el día, había que recoger “maq y pelu” y volverlo a cargar a nuestra furgoneta. Durante ese rato, el equipo de dirección nos repartía las órdenes del día siguiente. Un par de hojas donde ponía las “instrucciones” del día siguiente: lugar, horas, comidas, etc.

El director, Gabi Ochoa, dando instrucciones a Aida Folch, actriz protagonista.

El director, Gabi Ochoa, dando instrucciones a Aida Folch, actriz protagonista.

En ocasiones, al terminar todo el día, faena nuestra era ir a la localización del día siguiente a ver cómo estaban puestas las vallas o el poco caso que les habían hecho los coches. De esa forma, podíamos tener una previsión de cómo había que actuar el día posterior. Todo ello nos lo comunicaba Mónica, nuestra jefa de producción, a través de un chat de grupo que teníamos en ‘whasapp’.

Esto ha sido un pequeño resumen de mi vivencia, me encantaría contaros muchas cosas más pero no quiero extenderme. Sin duda, Noviembre fue un mes duro, lleno de trabajo y cansado. No obstante, nada quita la ilusión que hemos tenido en nuestra tarea, las grandes charlas con los actores y profesionales, las risas entre toma y toma o los buenos momentos en las comidas. Ha sido una experiencia increíble. Sin embargo, de esto no me quedo con todo lo que he aprendido o cómo lo he vivido, sino con la sensación de que el haber apostado por el cine es algo de lo que nunca voy a estar arrepentido.

Fotos / Tarannà Films

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Avatar: descubriendo los personajes de Pandora

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A nivel visual, podríamos decir que es una de las películas más difíciles que se han rodado jamás, no hay más que ver a sus protagonistas (los avatares) y el mundo en el que viven (Pandora).

Cameron se puso el listón muy alto desde el principio, ya que rechazó la opción más común de ‘disfrazar’ a los actores para hacerlos pasar por avatares. Él quería llegar más allá. Si utilizaba maquillaje no podía jugar con el tamaño de las extremidades, ni con la altura, ni con la separación entre sus ojos… y todo eso forma parte de un Avatar. Así que se acercó al método de cáptura de interpretación pero de una forma más sofisticada, buscando el humanismo en el sujeto.

Para conseguir lo que se proponían, desarrollaron un nuevo sistema de captura de interpretación facial basado en imágenes, por medio de una cámara sujetada en la cabeza del actor y enfocada a su cara, que grabara con precisión los detalles más pequeños de sus gestos faciales. Con la técnica anterior de captura del movimiento, se colocaban marcadores reflectantes en las zonas donde se quería registrar la expresión. En Avatar, los actores llevaban un casco con una cámara pequeñita, como ya hemos comentado. La ventaja con esta novedad fue que se logró conseguir la viveza en sus ojos, puesto que antes carecían de expresión. Además, estas cámaras de captación podían ser empleadas también para registrar los movimientos corporales del los actores.

Con esta técnica se crearon los Na’vi: unos sujetos delgados, muy altos, de ojos separados con un diámetro dos veces superior al de los humanos, cuellos largos y manos de tres dedos. Asombrosamente parecidos a los actores de carne y hueso, Avatar causó sensación en el público, siendo una de las películas más taquilleras de la historia con una recaudación de más de 760 millones de dólares.

Os dejamos a continuación con esta transformación de humano a Na’vi

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¿Qué cámara de video me compro?

Hasta ahora, este blog ha sido fiel a su nombre y os ha mostrado todo lo que rodea al mundo audiovisual más allá de las cámaras. Aquello que no vemos pero que supone la esencia de cualquier producto audiovisual. En esta ocasión, vamos a dedicar este post a las grandes protagonistas de que todo esto sea posible: las cámaras.

Es posible que muchos de vosotros esteis pensando en adquirir un cámara de video y os surga la duda en torno a elegir una clásica videocámara, o una cámara réflex con grabación de video. No puedo evitar decantarme por la segunda opción, y una vez expuesta mi predilección personal creo que sería oportuno establecer una diferenciación entre ambas que os ayudará a tener más clara la decisión.

Las ventajas de una cámara réflex con grabación de vídeo es sin lugar a duda su relación “calidad cine” a bajo precio. Me explico. Muchas de estas cámaras ofrecen tecnología de grabación Full Frame, que se obtiene gracias a un sensor fotográfico de pequeño tamaño que proporciona un contraste y una calidad de imagen que conocemos coloquialmente como “look cine”, ya que obtiene resultados equiparables a los de una cámara de cine, que vendría a costar unos 6000 mil euros.

En segundo lugar, además de esta calidad de imagen que no deja a nadie indiferente, debemos recordar que estamos ante una cámara pensada por encima de todo para tomar fotos, y de ahí que su nitidez, textura o contraste sean más propios de la fotografía. Además estas cámaras permiten hacer numerosos ajustes y jugar con la profundidad gracias a sus objetivos intercambiables, que dotan en su aplicación al video de resultados novedos y estéticamente muy interesantes.

 

Nikon D 3200Explicadas las ventajas pasamos a comentar las desventajas, que son considerables, pero que con una buena práctica en el manejo acaban siendo soportables y evitables. Para empezar, son cámaras más pesadas y de difícil manejo siempre que trabajemos sin herramientas que evitan los temblores como una steadycam. No cuentan pues con una tecnología de estabilización muy adecuada, y son pocas las que ofrecen un enfoque automático conseguido, cosa que es habitual encontrar en una videocámara, más pensada para esos usos. Su enfoque crítico, más acentuado en las Canon que en las Nikon, hacen que para los videoaficionados más inexpertos sea casi desesperante dominar a la cámara y que no sea esta la que te domine.

 

Además, suelen recalentarse con rápidez, e incorporan un sistema que rara vez permite grabar clips de más de diez minutos, llegando a apagarse el aparato automáticamente si esto ocurre. Por otro lado, se graban videos muy pesados con las réflex, siendo necesaria una tarjeta SD de gran capacidad o llevar con nosotros un potente ordenador para volcar poco a poco el contenido que vayamos filmando.

 

Cámara de videoAsí con todo, recomendamos una cámara réflex porque adquiriendo un aparato como la Canon EOS 5D, que ronda los 1500 euros se obtienen resultados que solo ofrecen cámaras compactas de video profesionales mucho más costosas. Pero claro, todo dependera de vuestras necesidades de uso y lo lleno o vacio que esté vuestro bolsillo. Quizás sería más oportuno recomendar la adquisición de una cámara que este a medio cámino entre las cámaras más domésticas y las que ofrecen resultados ya profesionales. En este sentido, una cámara réflex de iniciación al estilo de la Nikkon D3200, recientemente sacada al mercado, puede brindarnos, con sus hasta 24 megapíxeles, una calidad excepcional a un módico precio que ronda los 450 euros.

Nosotros solo hemos tratado de orientaros. Sois vosotros los que debéis elegir, y para ello, en ‘Detras de las Cámaras’, os dejamos una serie de reviews en las que diferentes profesionales desnudan al completo a “los ojos” de nuestro querido séptimo arte.

Destripando el guión de… ‘El Orfanato’

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Por lo general, los guiones de todas las películas siguen un orden o estructura concreta. Se divide en tres actos. En el primero (presentación), las películas presentan a los protagonistas y antagonistas pero también se deja claro el ‘objeto de deseo’ del protagonista y su ‘destinador/tarea’. En el segundo (desarrollo), se marca el conflicto, que tiene que ver con las pruebas y sacrificios que surgen entre la relación de los aliados y los enemigos. Finalmente, en el tercer acto (desenlace), se da el clímax o resolución de la historia.

Todo esto parecerían palabrerías si no os ponemos un ejemplo del esquema. Hemos escogido la película ‘El Orfanato‘ de Juan Antonio Bayona ya que esperamos que la mayoría de vosotros la hayáis visto. De esa forma, no os estropearíamos ninguna sorpresa.

En el primer acto, se nos presenta a la protagonista principal “Laura” (Belén Rueda). Laura era una niña que vivía en un orfanato con varios niños. Un tiempo después ella vuelve con su marido y su hijo para reabrirlo como una residencia para niños discapacitados. También conocemos al segundo importante: “Simón” (Roger Princep), el hijo de Laura, un niño adoptado con VIH. Pone a prueba a su madre con el juego de la búsqueda del tesoro que le proponen sus amigos imaginarios, y que poco a poco este juego resultará un conflicto entre madre e hijo.

Se nos hace creer que los antagonistas son los cinco niños que fueron compañeros de Laura durante su instancia en el orfanato y que fueron envenenados por una de las trabajadoras, Benigna Escobedo (Monserrat Carulla). Estos niños son durante toda la película los que ponen a prueba a Laura utilizando a su hijo Simón, a través de un juego, para contarle como fueron asesinados.

El objeto de deseo es Volver a sus raíces. Volver al lugar donde se crió para ofrecer la ayuda que a ella le dieron en su infancia y así dar asistencia también a niños discapacitados que sus familias no se pueden hacer cargo de ellos. Por otro lado, la tarea es reconstruir y rehabilitar el orfanato donde ella se crió.

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En el segundo acto, la prueba principal de la película es el juego del tesoro que le enseñan los niños imaginarios a Simón y que él le explica a su madre.Consiste en reemplazar unos objetos por otros y al acabar las pistas deberías encontrar tu tesoro, y al hacerlo puedes pedir un deseo. Los niños junto con Simón ponen a prueba a Laura y le invitan a jugar al juego. Cuyo tesoro es su hijo.El juego para la protagonista comienza el día de la inauguración de la residencia, que Simón le invita a su madre a conocer la casa de Thomas, su principal amigo imaginario que murió ahogado en una gruta cerca del orfanato. Laura le dice que nos es el momento ya que tiene que atender a los invitados, por lo que Simón se enfada con su madre y se va de la habitación donde se encuentran. Es en ese momento cuando comienza el juego para Laura sin ella darse cuenta aun hasta seis meses después de la desaparición de su hijo.

Los aliados principales de la protagonista son los Medium, ya que su marido llega a un punto que no soporta la presión de la situación que están viviendo tras la desaparición de Simón y decide alejarse poco a poco. Los enemigos son la cuidadora del orfanato, Benigna Escobedo, ya que intenta impedir que Laura no pueda rehabilitar la residencia para que no descubra que fue ella la que envenenó a los cinco compañeros de Laura y los cinco niños que son los que ponen realmente a prueba a la protagonista y le hacen “jugar” a la búsqueda del tesoro.

La prueba o sacrificio es el juego de la búsqueda del tesoro, que los niños proponen a Laura. Con este juego se muestra quien fue la asesina de los niños y como murió Thomas. Esta prueba pone al límite a Laura, hasta el punto de dejar de lado su vida, la rehabilitación del orfanato y su matrimonio.

En el tercer acto se da el clímax o resolución. Laura consigue descifrar el juego que los niños le proponían y se da cuenta de que su tesoro es su hijo. Una vez que ha encajado todas las piezas encuentra a su hijo muerto. Desesperada, se suicida tomando las pastillas que se debía tomar Simón para combatir el VHI, pidiendo el deseo de que el vuelva junto a ella.

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Mirada al Cine de la Movida madrileña

Ayer nuestra blogera Maria nos mostró una de las corrientes cinematográficas más transgresoras de la historia del cine, el Cine Dogma danés. Hoy me dispongo a mostraros nuestra particular corriente cinematográfica rompedora: el Cine de la  Movida Madrileña. Como ya sabéis, la Movida Madrileña fue todo un movimiento contracultural que envolvió con fuerza todas las expresiones artísticas influyendo especialmente al séptimo arte, destacando directores como Fernando Trueba, Pedro Almodóvar, Fernando Colomo o Manuel Iborra.

Fernando Trueba: Oscar con 'Belle Époque' (1994).

Fernando Trueba: Oscar con ‘Belle Époque’ (1994).

¿Por qué surgió este movimiento? Muy simple. Ante un estado de opresión de las libertades de expresión es normal que brotara con el final del Franquismo un sentimiento de hambre de libertad; una necesidad imperiosa de romper con las tradiciones anteriores para demostrar a España, que todo lo que siempre se había ocultado estaba ahí, bien presente, y deseando expresarse de viva voz.

Esos temas antes tabúes o simplemente censurables hasta las últimas consecuencias, eran los que ahora radiaban con mucho ímpetu, pero quizás sin demasiado autocontrol. Hablamos de las drogas, la prostitución, la sexualidad explícita, los dramas pasionales, la vida nocturna, la homosexualidad , transexualidad y la vida del inframundo urbano, entre otros temas.

Fernando Colomo: 'La Mano Negra' (1980) es su obra más destacada.

Fernando Colomo: ‘La Mano Negra’ (1980) es su obra más destacada.

Si bien no se puede hablar de un estilo que tenga unas características técnicas concretas o que emplee unos recursos cinematográficos reconocibles  y definibles en comparación a otros estilos, sí podemos hablar de un estilo marcado en la configuración o definición de los personajes. En el franquismo las películas mostraban a la España rural, la España humilde y cercana. Con la transición nos adentramos en el estrés de la ciudad, donde las tramas están llenas de obsesiones, estrés, dramas, historias imposibles o incluso sinsentidos, con personajes que ahora son un estandarte de la cultura snob, transgresores y hasta radicales, a la par que confusos y oscuros. Lo que antes era una simple suma, ahora es una difícil ecuación que sume al espectador en una indecisa interpretación de lo que está viendo. Adiós a los personajes entrañables con los que rápidamente nos  identificábamos –personajes al más puro estilo de Paco Martínez Soria–, y bienvenido el ‘modelo Almodovar’, con personajes cuyos traumas o desavenencias son llevados a los últimos extremos.

Manuel Iborra: 'Caín' (1986) puede ser su obra más destacada.

Manuel Iborra: ‘Caín’ (1986) puede ser su obra más destacada.

En ‘Detrás de las Cámaras’ queremos despertaros el interés por conocer los siguientes títulos y a sus directores,  viéndolos no desde la perspectiva sociocultural de ahora, sino en los ojos de estos jóvenes cineastas que crecieron siendo acallados, hasta que un día se les abrió la puerta para enseñar el mundo tal y como es, y de paso quitar las vendas que nuestra sociedad llevó durante décadas en los ojos.

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¿Cómo se viven las escenas de sexo en cine?

Y ahora que son más de las doce, terminamos el día con un post bastante picante, ¿qué piensan realmente los actores sobre las escenas de sexo?. Hay una gran variedad de secretos, métodos y trucos para estas ocasiones pero lo cierto es que cada película, cada personaje y cada actor lo vive de una forma totalmente diferente.

Un ejemplo es el del director Álex de la Iglesia, quien pidió a su equipo de ‘Crimen Ferpecto’ que se desnudara para que se pusieran al mismo nivel que Kira Miró en una escena de sexo, de esa forma, calmarían los nervios de la actriz al estar todo el mundo en la misma posición que ella.

Kira Miró en 'Crimen Ferpecto' de Álex de la Iglesia.

Kira Miró en ‘Crimen Ferpecto’ de Álex de la Iglesia.

Por otro lado, Tristán Ulloa comenta que se pasa mal al excitarse involuntariamente en una secuencia y que se tiene una vergüenza enorme. Las tácticas de Fernando Tejero son más simpáticas y es que, antes de rodar su escena, se desvistió y paseó alrededor de todo el equipo y les dijo: “esto es lo que hay, no hay más”. Si queréis más información os recomendamos que veáis el siguiente documental: Sexo en el Plató – TeleDocumentales.

De todas formas, lejos queda el cine español de algunas producciones en las que el acto sexual se escenefica de forma real. Tal es el caso de Mark Rylance y Kerry Fox en ‘Intimacy’ (2001); Vincent Gallo y Chloë Sevigny en ‘The Brown Bunny’ (2003); Margo Stilley y Kieran O´Brien en ‘9 canciones’ (2004); o la más reciente, ‘Anticristo’ (2009), protagonizada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg y dirigida por Lars Von Trier. Éste último director ha dirigido varias películas porno y ya ha captado a uno de los actores hollywoodienses más afamados de la actualidad (Shia LaBeouf) para su próxima película, `The Nymphonamiac´, en la que se le exige realizar el acto sexual con su compañera de reparto delante de las cámaras.

No obstante, no será la primera aparición en desnudo integral del actor ya que fue el protagonista del videoclip de Fjögur Píanó, una canción del grupo islandés de música experimental Sigur Rós. En el vídeo, el actor se ve en envuelto en un círculo interminable de adicción y deseo con la bailarina Denna Thompsen.

No todos los actores piensan lo mismo acerca de las escenas de sexo y es que, la actriz Vanessa Hudgens ha hecho su primera escena de cama y la última. La actriz norteamericana asegura que ha sido muy incómodo grabar esas secuencias y ya le ha pedido a su agente que tenga muy presente no barajar esa opción en su agenda. En el largometraje ‘Spring Breakers’, la protagonista de ‘High School Musical’ rueda varias posturas comprometidas en una piscina no sólo con James Franco sino también con la co-protagonista de la película, Ashley Benson.

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De izquierda a derecha: Ashley Benson, James Franco y Vanessa Hudgens en ‘Spring Breakers’.

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La importancia de la música en cine

Muy a nuestro pesar,  hay una tendencia generalizada a valorar una película atendiendo exclusivamente a la calidad y grandeza de su imagen o a la profundidad del guión. De ahí, que en gran parte se califique como buena o mala. No estamos diciendo que no sea importante pero hay algo muy importante a tener en cuenta que se pasa bastante por alto: la música o banda sonora.

La calidad de un film puede variar en función de este último parámetro y es que, la sonorización de una película es una gran herramienta de ambientación para determinadas escenas. Muchos de los grandes compositores ayudan a reforzar pasajes alegres, melancólicos, terroríficos o de acción. Tanto es así, que no son pocas las ocasiones en las que un director no ve que su pieza funciona hasta encontrar una buena música. De hecho, varias veces se han tenido que contratar a varios compositores con la esperanza de que alguno de ellos de en el clavo. La música expresará aquellos sentimientos, circunstancias, pensamientos e ideas que podrán alcanzar y traspasar la sensibilidad del espectador y conseguir una transformación psicológica en él.

Bernard Herrmann fue un compositor estadounidense especializado en el género cinematográfico. Galardonado con un premio de la Academia a la mejor música de película dramática por su trabajo, ‘El hombre que vendió su alm’a (1941), es principalmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles (‘Ciudadano Kane’, ‘La guerra de los mundo’s) y con Alfred Hitchcock, director con el que Herrmann cosechará la mayoría de sus grandes éxitos (‘Vértigo’, ‘El hombre que sabía demasiado’, ‘Psicosis’).

Os mencionamos a esta figura de la música cinematográfica por una frase que va a dirigir el contenido de lo que qeda del post: “La música debe suplantar lo que los actores no alcanzan a decir, puede dar a entender sus sentimientos, y debe aportar lo que las palabras no son capaces de expresar”.

Respecto a esta frase de Herrmann, el equipo de ‘Detrás de las Cámaras’ ha elaborado un pequeño experimento en el que podremos ver que, con la misma secuencia pero con diferente música, la interpretación de la actriz, la historia y la atmósfera de las imágenes pueden variar completamente.

En el primer vídeo, hemos colocado una música de misterio a las imágenes. Por ello, parece que cuando la chica mira por la ventana está tramando algo, o incluso espiando a alguien. Por su mirada, incluso podemos descifrar que hay odio en ella y que lo que está pensando lo está haciendo de forma oculta a las demás personas.

En el segundo vídeo la historia cambia completamente. Se trata de una música alegre. Podríamos pensar perfectamente que la mirada de esa chica tenebrosa, ahora cambia a feliz. Parece que está mirando por la ventana de un cuarto de hotel en el que está disfrutando del paisaje y de sus vacaciones. La cosa no es para nada parecida al anterior ejemplo.

El tercer vídeo es mucho más melancólico. Le hemos puesto una música triste que recuerda a un desamor. En este caso, la joven está mirando por la ventana recordando a un amor pasado o un amor que no pudo ser, o incluso, viendo cómo su amor se aleja poco a poco sin que ella pueda hacer nada. Ahora, su rostro refleja tristeza, y tal vez, nos podríamos imaginar que el brillo de sus ojos puede acabar en alguna lágrima.

Finalmente, el último clip tiene una atmósfera terrorífica. En él, podríamos pensar que la chica va a ser atacada por detrás de un momento a otro sin darse cuenta del peligro que está corriendo. Cuando en las demás secuencias ella era el punto de mira, en ésta estamos muy pendientes de qué puede pasar por sus espaldas.

Bueno, y aquí os dejamos nuestro pequeño experimento que recalca la importancia de una buena banda sonora en una película para transmitir diferentes sensaciones. Es importante agradecer y mencionar la ayuda de la modelo: Gloria García Giménez (@Glowely), la cual se ha prestado sin ningún inconveniente.

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Un viaje de cine

Si te apasiona el cine y viajar, hemos encontrado la empresa que buscas. Si lo que quieres es elegir un viaje de cine, entra en Cine y Viajes, una empresa que utiliza las películas para seguir soñando fuera de ellas y es que, su lema es ‘porque cada Película es un Viaje convertimos nuestros Viajes en Películas’.

Presentan una variedad de Viajes de Cine con películas que llevarán a revivir las emociones que alguna vez sentimos en la sala oscura de nuestros recuerdos de Sesión Continua, Blanco y Negro o Technicolor, en sábana o Cinemascope. Se trata de una oferta en la que se organizan distintos viajes a los lugares donde se rodaron o donde su especial atmósfera pueda llevarnos a revivir todas aquellas emociones. Visita la biblioteca o la verdadera escuela de Harry Potter.

Se trata de viajes organizados por un equipo de profesionales que podrán asesorarte en todo momento. Son personalizados ya que tú eres el que eliges cómo repartirte el tiempo. Asimismo, son ellos los que seleccionan y combinan el desplazamiento, alojamiento, seguros y servicios que puedas necesitar, siempre con las mejores tarifas y precios del mercado. Por otro lado, nunca te faltarán los datos sobre las películas aludidas ya que añaden un detallado dossier de localizaciones y un recuerdo tematizado.

Porto (Libreria de Lello e Irmao)

La librería de Lello e Irmao, situada en Oporto, ha sido utilizada como escenario para rodar algunas películas de Harry Potter.

Organizan los viajes conforme a tus necesidades ya que no hay límite de personas, puedes viajar en pareja, solo, con tu familia, con un grupo de fans o empresas, etc. Además, si no encuentras tu película favorita entre las propuestas, puedes contactar con ellos para que la incluyan dentro de futuros proyectos.

La empresa CEPDECI, propietaria de esta página, se creó en 1996 para la organización de convenciones, seminarios, cursos de formación, ‘educational-tours’, ‘shopping tours’, ‘fam-trips’, etc. No obstante, ha habido una evolución y ahora se centra más en la organización de todo tipo de Eventos Culturales y Deportivos, empresas y organismos a las que aportan su conocimiento de la zona y sus recursos así como la operativa logística de alojamiento y servicios.

Es importante mencionar que no son una agencia de internet. Llamémoslo por su nombre, son agentes de viajes cuyo trabajo es asesorar, aconsejar y ayudar a que los clientes disfruten de sus viajes en cuestiones de calidad, que sean una agradable experiencia y que sirven como fuente de conocimiento, trabajo o descanso.

En definitiva, os presentamos una nueva forma de viajar. Unos viajes que, a la par de descubriros lugares impresionantes, os harán recordar y haceros los protagonistas mismos de las historias que más os han impresionado en uno de vuestros mayores placeres, el cine.

Fuente / www.cineyviajes.com

Foto / paspalleteir@

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