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¿Cómo se hizo la evolución digital de Renesmee en ‘Amanecer’?

Volvemos al tema de las manipulaciones digitales en la saga ‘Crepúsculo’. Esta vez nos centraremos en el personaje de Renesmee, hija de Edward y Bella Cullen y que, durante la película ‘Amanecer. Parte 2’ cambia rápidamente de ser un bebé a una niña de 10 años.

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Lola VFX se encargó de manipular digitalmente la cara de la bebé recién nacida. Grabaron a unos 30 bebés usando un equipo de proyección, para basar al personaje de Renesmee en ellos. Acabaron usando trozos y piezas de unos cinco de esos bebés grabados para crear el aspecto final, como si fuera una colcha hecha de varios trozos de tela. Los ojos fueron hechos con CG, basándose en los ojos reales de Kristen Stewart (que interpreta a Bella) cuando era bebé.

En la escena de la chimenea, cuando Jacob se imprima de Renesmee, él ve el futuro y la ve crecer hasta hacerse una mujer adulta. Para ello, se creó un bebé por CG. Todas las tomas de Renesmee están basadas en una actriz de 10 años llamada Mackenzie Foy, y consiguieron que la chica pareciera desde un bebé recién nacido a una joven de 18 años.

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Para esto último, grabaron a una modelo de 18 años corriendo por un parque, y luego capturaron la actuación de Mackenzie con el equipo de proyección de Lola VFX. Usando el programa Flame, modificaron el aspecto facial de Mackenzie para que pareciera más mayor, y luego modificaron un CyberScan de Mackenzie para ajustar las proporciones de envejecimiento. La futura Mackenzie se hizo con las mismas técnicas usadas para crear al bebé de la chimenea.

Sin embargo, las críticas hacia este cambio digital no tardaron en llegar. Muchos consideran ‘cutre’ el aspecto del bebé recién nacido, una mezcla entre lo digital y lo real. Lo mismo con la niña que va creciendo, tanto en altura como en aspecto físico, que acaba pareciendo algo desgarbada. Os dejamos con un vídeo del momento de la chimenea, juzgad por vosotros mismos.

¿Qué creéis, habría sido mejor utilizar a un bebé distinto de la niña para la película, o acertaron al cambiar a la misma actriz digitalmente?

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¿Cómo se hizo el cambio de Bella en ‘Amanecer. Parte 1’?

La saga Crepúsculo puede tener tantos seguidores como detractores, pero lo que no se puede negar es que su penúltima película (‘Amanecer. Parte 1’) llamó la atención por la transformación que sufrió su protagonista, Bella Swan (interpretada por Kristen Stewart), a lo largo de sus 117 minutos de duración.

ImageJohn Bruno, supervisor de efectos especiales, insistió en los cambios físicos del personaje: “se casa, tiene sexo vampírico, se queda embarazada, pierde 13kg, se enferma, está al borde de la muerte y revive como vampiro”. Por eso, se tuvieron que completar 1275 tomas de efectos visuales con un límite de tres meses: “lo más grande en todo este proceso fue el no perder nunca la expresión y la emoción en los ojos de los personajes”, afirmó.

ImagePara conseguir que Bella perdiera tanto peso y pareciera bulímica, se utilizó una combinación de efectos especiales prácticos y CGI, para hacer que las 200 tomas del ‘Efecto Bella’ (como lo llamaron) fueran creíbles. La compañía Legacy Effects, que se encarga de los efectos para las criaturas, hizo una serie de retoques a la actriz durante una sesión de maquillaje de tres horas. Le hundieron los ojos y le marcaron los pómulos, la barbilla y las clavículas. La prueba de rodaje fue grabada y enviada a Lola VFX, responsables de hacer que, en las imágenes, apareciera más delgada. Para ello usaron prótesis, reduciendo el presupuesto del rodaje digital, pero les daba el problema de que le sobresalían por la sien, creando sombras extrañas que tuvieron que eliminar más tarde. Además, tuvieron que deformar las prótesis para ajustarlas al aspecto natural y en progreso que mostraba Bella.

ImagePara apoyarse, Legacy creó un maniquí a tamaño real de Bella ya demacrada, y se guiaban con él para hacer las deformaciones corporales. Hicieron más delgados sus piernas y brazos, y consiguieron que se le marcasen los huesos de los nudillos. Además, se usaron patrones 3D de su cabeza para cada toma, desarrollando un truco para envolver una imagen bidimensional en una imagen geométrica en 3D. Tenían dos cabezas de Kristen Stewart en 3D, una de ellas era normal y la otra demacrada, proyectando una dentro de la otra. Luego se ponía como base la imagen normal, transfiriendo sus colores a la imagen demacrada. Así, sólo tenían que deformar la periferia orbital y los pómulos.

Próximamente, en ‘Detrás de las cámaras’, os explicaremos cómo se hizo el rápido crecimiento de la hija de Bella en ‘Amanecer. Parte 2’.

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El Cine-Ojo de Vertov y su legado en la historia del cine

Echando la vista atrás, en las primeras décadas del cine surgió un movimiento completamente trasgresor y desafiante de lo que hasta ese momento se entendía por cine: Un arte muy apegado al teatro y a la literatura, a modo de prolongación de ambos en la que todo estaba bien planificado y respondía al orden natural de las cosas. Dziga Vertov o Denis Arkadi Kaufman, su verdadero nombre, fue un pilar indiscutible del cine documental soviético con visión propagandista del comunismo. Además de creador de la corriente cinematográfica Cine-Ojo, donde se buscaba una total objetividad en la captación de las imágenes, lo que exigía ningún tipo de preparación previa, ni guión, ni puesta en escena estudiada, ni actores, sino la vida misma filmada.

 

 

Imagen típica del Cine-Ojo

El movimiento presentado se conoce como Cine-Ojo porque su creador sostuvo la idea de que la cámara ve mejor y más allá que el ojo humano. Vertov descubrió que el ojo humano era capaz de captar una imagen de entre dos y tres fotogramas y asimilarla, lo que permitía emplear fragmentos muy pequeños de planos con cortes ilógicos que atacaban la temporalidad del relato y las estructuras horizontales del pensamiento. El Cine-Ojo retrata todo lo que envuelve al cámara, sin valerse de las normativas, saltándose el eje si es necesario y alejándose del estilo tradicional de manejo del aparato de grabación.

 

Este modelo cinematográfico ve más que el ojo humano porque nos acerca realidades y momentos temporales distintos y alejados entre si gracias al posterior montaje. Esta corriente desarrollo mucho la postproducción. Se trataba de que la cámara nos mostrará todo lo que desconocemos de forma que después nosotros sacáramos conclusiones de aquello que se nos mostraba sin orden aparente, ni racional, ni temporal.

 

Dziga vertovEn su momento, como ocurre con todos los creadores que trataron de saltarse alguna vez en la historia el orden preestablecido, el movimiento fue más bien un fracaso. Se acusó a esta corriente de antirrealista, narcisista y

reaccionaria con la realidad soviética.

 

Pero lo cierto es que años después sirvió de inspiración a otras corrientes cinematográficas como la ‘Nouvelle Vague‘, a finales de los años 50, el ‘Nuevo Cine Alemán‘ o el ‘Cine Dogma‘ 95 danés. El primero de estos tres estilos se apropió de la idea de no trabajar con actores profesionales ni utilizar decorados; el segundo adquirió esa idea de cine documental, y el tercero es uno de los máximos exponentes del Cine-Ojo, con un rodaje al más puro estilo de la visión del ojo humano, sin recursos técnicos y con cámara al hombro.

Aquí tenéis algunos ejemplos de estos estilos cinematográficos que os brinda ‘Detrás de las Cámaras’:

 

 

Tras el doblaje de ‘¡Rompe Ralph!’

¡Rompe Ralph!’ (‘Wreck-It Ralph’) es la nueva película de Disney, dirigida por el ganador de un premio Emmy, y colaborador de ‘Los Simpson’, Rich Moore. El día de Navidad ha sido el elegido para estrenar este largo animado en los cines españoles.

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Su trama empieza con Ralph, que sueña con ser tan querido como el hombre perfecto arréglalo-todo, Fix-It Félix. El problema es que a nadie le gusta un chico malo, pero en cambio todos aman a los héroes… así que cuando un moderno juego llega con un personaje malo, que es un sargento Calhoun, Ralph lo ve como su oportunidad para el heroísmo y alcanzar la felicidad. Ralph se mete en el juego con un simple plan –ganar medallas de todo-, pero accidentalmente libera un enemigo mortal que amenaza a todos los juegos del arcade. ¿Será Ralph lo suficientemente bueno y hábil para convertirse en un héroe antes de que sea “Game Over” para toda el arcade?

Y claro, como toda película animada (y, en general, como toda película que llega a España), tiene todo un trabajo de doblaje detrás. En el doblaje original se pueden escuchar las voces de John C. Reilly, Sarah Silverman, Jack McBrayer o Jane Lynch. En España, escucharemos a actores tan conocidos como José Coronado, Karra Elejalde, Álex de la Iglesia, Fernando Guillén Cuervo y Carlos Bardem. Pero, ¿quién es quién en esta nueva obra de arte de Disney

Carlos Bardem (actor, guionista y escritor) es ‘Kano’, un personaje del juego ‘Mortal Kombat’, maestro de las armas cortantes y líder del clan Dragón Negro. José Coronado (ganador del Goya al Mejor Actor Protagonista por ‘No habrá paz para los malvados’) es ‘Satán’, que pertenece al juego de rol ‘Diablo’. Álex de la Iglesia (director, productor y guionista) es ‘M. Bison’, el implacable dictador mundial de ‘Street Fighter’, que aprende a reprimir su Psycho Power en la terapia de malos. Karra Elejalde (‘Invasor’) es ‘Robotnik’, el antagonista principal de la serie ‘Sonic’. Y, por último, Fernando Guillén Cuervo (actor) interpreta a ‘Bowser’, enemigo principal de Mario de ‘Super Mario Bros’.

Desde ‘Detrás de las cámaras’ os dejamos unos vídeos, disponibles en Internet, sobre cómo ha sido el proceso de doblaje de esta película. No os lo perdáis, merece la pena verlos.

Estamos Grabando (Videopost)

Como estudiantes de comunicación audiovisual, los integrantes de este blog realizamos prácticas muy interesantes cada semana. En concreto, realizamos secuencias originales de temática libre con una duración de unos dos minutos aproximadamente. Se forman grupos de unas diez personas en los que cada uno tiene una función establecida que va variando cada semana: director, ayudante de dirección, director de fotografía, director de montaje, director de arte, cámara, técnico de sonido, productor, script y montador. De esta forma aprendemos a trabajar en equipo, y a ser polivalentes. Siempre seremos más competitivos si somos competentes en todas estas áreas y nos desenvolvemos en ellas con rapidez y profesionalidad.

 

Con el videopost de hoy os vamos a enseñar un poco cómo es el trabajo en estas prácticas. La secuencia que presentamos en concreto esta ambientada en un restaurante. Como tenemos un tiempo limitado en el que la universidad nos presta el material de grabación, la localización es la propia universidad, así que nosotros nos las ingeniamos para simular ese espacio ficticio.

 

Lo que queremos destacar aquí es el trabajo que lleva cualquier obra audiovisual detrás. De hecho, si para 2 minutos se necesita todo lo que veis en el video, podéis haceros una idea de lo que exige un largometraje. La planificación es fundamental en todo momento para que se cumplan los tiempos llegando a ser casi siempre el elemento fundamental, –por encima a menudo del valor artístico–, para que un producto audiovisual llegue a ser un éxito.

Pero… ¿Cuánto cuestan las películas?

Demasiadas veces se cae en el error de comparar la calidad de una película en función del presupuesto que ostenta. Si nos fijamos en la historia del cine podemos llegar a la conclusión de que ambos conceptos no tienen por que estar estrechamente relacionados.

En un ranking de lo que serían las más caras hasta la fecha encontraríamos en la cúspide, como no podía ser de otra forma, las grandes superproducciones norteamericanas con la tercera parte de Piratas del Caribe a la cabeza. Ni más ni menos que 300 millones de euros tuvo que desembolsar Gore Verbinski  para construir el desenlace de esta trilogía. En el lado opuesto, y situándonos en nuestro país, podríamos hablar de la película de serie B, “Kárate a muerte en Torremolinos” ‘la peor película que ha llegado a una sala de cine’ según la prestigiosa revista ‘Fotogramas’, ya que con menos de un millón de pesetas de presupuesto logró exhibirse en la gran pantalla de los cines españoles alzándose con cuatro premios Godoy a la peor dirección artística, peores efectos especiales, peor vestuario y peor peluquería y maquillaje .

Piratas del Caribe 3

El anterior ejemplo puede ser un caso un poco extremo, pero existen películas de presupuesto austero que han conseguido bañar en oro a directores y productores. En este sentido, según la revista ‘Cinemanía’, el film “Mi gran boda griega” alcanzó unos beneficios del 6150% sobre la inversión inicial, unos seis millones de dólares, llegando hasta los 369 millones de beneficios. También en base a un presupuesto de nivel medio encontramos el ejemplo de la brillante E.T. el extraterrestre, con un 3172% de beneficio sobre la inversión inicial, reportándole a Steven Spielberg cerca de 800 millones de beneficios.

Mi Gran Boda Griega

Como en todo, no existe una fórmula estándar que garantice la rentabilidad de una película, pero muchos coinciden en que una fórmula aproximada para alcanzarlo incluiría tres variables: un presupuesto modesto, una historia con gancho, y el suficiente aguante que  permita permanecer en las carteleras durante meses.

Para los que queréis saber dónde se van los aproximadamente ocho euros que cuesta ya una entrada de cine, y siguiendo las reflexiones del productor Pancho Casal,  de Continental Producciones, si suponemos que una entrada costase 100 euros el desglose aproximado sería:

1- El Estado vía IVA se llevaría el 21%. Con lo que restaríamos unos 21 euros después de deducir impuestos y obtendríamos el Bruto de Taquilla (BT)

2.- Los derechos de comunicación pública de autores e interpretes y ejecutantes. (SGAE + AISGE) se llevan el 2% de ese Bruto de Taquilla, que reparten al 25% entre: Argumentista o autor de la obra preexistente (novelista); Guionista; Director y Músico.

3.- El cine se queda entre un 45 y un 55% de media del BT. Vamos a suponer que en este caso sea el 50%. El resto configuraría el Neto de Taquilla (NT) para el distribuidor.

5.- De este Neto de Taquilla el distribuidor se queda por su trabajo entre el 15% y el 30% dependiendo de si arriesga o no en los gastos de copias y publicidad (P & A, Prints & Advertising).
6.- Y ya llegamos a la productora que recibirá descontando todo lo comentado alrededor del 25% del coste de una entrada y deberá asumir los costes del film desglosados en 12 capítulos presupuestarios.

A la conclusión que hemos de llegar es que se pueden crear obras brillantes con muy poco presupuesto, fijémonos en corrientes cinematográficas como la Nouvelle Vague o el cine Dogma 95 danés, pero lo cierto es que el cine no deja de ser una potente industria que como cualquier otra persigue la máxima rentabilidad y beneficios, apostándose por fórmulas comerciales de escueta calidad artística.

El cine en 3D, ¿cómo se hace?

Pocos cines quedan en España, y en el mundo, que no tengan al menos una sala para la proyección de películas en tres dimensiones. Amadas por unos y odiadas por otros, pero seguro que lo que muchos se preguntan es cómo es posible esta tecnología.

ImageNosotros percibimos el mundo en tres dimensiones a través de la visión estereoscópica, es decir, la visión binocular de un objeto produce la sensación de tridimensionalidad cuando el cerebro procesa dos imágenes capturadas desde puntos ligeramente distintos. Pues el cine en 3D intenta que el espectador perciba la película de la misma forma que percibe el mundo real, aunque cuentan con la limitación de que las pantallas sobre las que se proyectan las películas son bidimensionales.

La profundidad en una fotografía o película o, mejor dicho, la ilusión de profundidad, se consigue mostrando imágenes ligeramente diferentes a cada ojo. Pongamos el ejemplo de la primera técnica para las películas en tres dimensiones: las gafas especiales de color rojo y azul. Se consigue el efecto a través de dos imágenes superpuestas, con las porciones que deben ser vistas por uno u otro ojo del color opuesto al del celofán que cubre cada lente, y así cada ojo sólo ve la imagen que le corresponde y, en conjunto, se percibe una sensación en 3D.

Actualmente existen otros sistemas. Ahora las gafas tienen un filtro LCD que se sincroniza con el sistema de proyección para tapar uno u otro ojo según corresponda. De hecho, se proyectan dos películas a la vez, una para cada ojo, con frames intercalados. Cuando en la pantalla se proyecta la imagen correspondiente al ojo derecho, las gafas oscurecen el cristal frente al ojo izquierdo, y viceversa.

Pero claro, para que esto funcione las películas deben haber sido grabadas con el formato adecuado. Se necesitan al menos dos cámaras de vídeo que capturen, a la vez, las escenas, cada una recogiendo las imágenes que luego se proyectarán para uno de los dos ojos.

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Crítica de ‘El Hobbit. Un viaje inesperado’

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¿Qué puede llegar a ser más esperado: una nueva entrega de la saga de Tolkien, o otra película en cartelera de Peter Jackson? Pues esta vez lo tenemos todo unido: ‘El Hobbit. Un viaje inesperado’ llega a la gran pantalla por todo lo alto… ¿por todo lo alto? Teniendo en cuenta que el libro en el que se basa el largo ronda las 300 páginas, y han aprovechado para hacer una trilogía, hay que cogerlo con pinzas.

Un temor, muy justificado, es que la historia de esta primera entrega, que dura casi 3 horas, se quede un poco corta. Sin embargo, una vez te metes en la película, te das cuenta que los minutos pasan y pasan y nunca se te hace pesada. Tiene un ritmo trepidante, en el que nunca pasa nada exageradamente descabellado (como sí ocurre en ‘El señor de los anillos’), pero en el que tampoco dejan de pasar cosas. Por eso, su continua acción la hace un film muy entretenido. Entretenido, pero poco complejo y con poco impacto, ya que es una acción quizás más infantil que la de sus predecesoras, en el que las guerras causaban mucho más impacto que las ‘aventurillas’ de este grupo de enanos, hobbits y magos.

Es, entonces, una buena película, pero no al nivel de las aventuras de Frodo. Podría considerarse como una película más humorística y divertida, con una dirección de fotografía espectacular y manteniendo su esencia épica, pero con un tono distinto, mucho más desenfadado.

Respecto a los personajes, comentar que el actor que encarna a Bilbo Bolsón, Martin Freeman, hace un trabajo respetable. Su rostro es de los aspectos más cómicos de la película, y hace que te creas la fantástica historia que te están contando. El grupo de enanos completa ese aspecto humorístico, con personalidades para todos los gustos y un trabajo grupal perfecto. El mago, capitaneando a estos ‘personajillos’, es por todos conocido. Y calificar de… ¿curiosa? la aparición e introducción de Gollum, por todos esperada.

Un asunto digno de comentar en un blog como el nuestro es el nuevo 3D a 48 frames por segundo, al contrario del cine convencional de 24 frames por segundo. Esta tecnología dota al largo de más realismo, aunque sus resultados están dividiendo la opinión pública.

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Mercadillo Audiovisual en Benimaclet

Como imaginareis, el material audiovisual no es nada barato. Para hacerse una idea, si teneis la intención de comprados una buena cámara de fotos,  tener claro que os rascareis bien el bolsillo. Por ejemplo, la nueva Canon 6D vendría a costar unos 2100 euros.  Si preferis una cámara de video profesional, la SONY HDR-AX2000, os saldría por el módico precio de 3700 euros. A esto habría que sumar todos los complementos: filtros polarizadores, objetivos, trípodes… En definitiva la tontería acabaría costando un ojo de la cara. Ante esos precios solo queda estar bien atentos a las gangas, gangas como la que hoy han podido disfrutar cientos de amantes de lo audiovisual en el Espai d´Art Audiovisual Caixa Fosca, que por primera vez ha organizado un mercadillo audiovisual donde se ha podido comprar a muy buen precio productos todavía en venta en comercios, así como piezas de coleccionista.

Caixa Fosca

Desde Detrás de las Cámaras os invitamos a conocer este centro de lo audiovisual donde podréis asistir a actividades culturales y proyectos educativos, cursos y talleres prácticos, sesiones de estudio, así como proyecciones de documentales, cortometrajes, reportajes o exposiciones variadas.


Este blogger se ha dirigido a este local, ubicado, como no podía ser de otra forma, en el corazón del barrio de Benimaclet de Valencia, en busca de un teleobjetivo para su Nikkon D3100. No ha habido suerte, pero ha valido la pena contemplar tantas cámaras antiguas y fotos de aficionados y profesionales de este mundo.

Parece que esta no será la única ocasión en la que Caixa Fosca organice un mercadillo de este estilo, ya que esta primera experiencia ha sido todo un éxito y se plantean organizar otro a finales de enero. Así que estar bien atentos de aquí en adelante al programa de actividades de este espacio abierto a la difusión y creación de contenidos audiovisuales.

Caixa Fosca

La Adaptación Cultural en el Cine. La Naturalización

 

Ya sea en versión original subtitulada o se trate de una película doblada, a menudo observamos perplejos como esos actores norteamericanos, ingleses o de otras partes del mundo hablan de realidades, de personajes, de costumbres, típicamente españolas. Estamos hablando aquí de la adaptación cultural de una película. El traslado de las particularidades de la cultura origen a la cultura receptora. En este post trataremos de dejar de lado los conflictos en torno a si es más o menos acertado el hecho de doblar las películas. España en un país doblador por naturaleza, pero esta entrada busca plantear una doble hipótesis, que se adhiere solo al hecho del traspaso de las disonancias culturales entre el país de origen del film y los de destino. Así reflexionaremos sobre estas dos ideas:

  •   Por un lado, al doblar o subtitular una película tenemos la oportunidad, o no, de adaptar algunos conceptos que escapan política, cultural, o socialmente a los conocimientos de muchos países. Podría ser positivo para el espectador esta naturalización semántica, ya que comprende de manera total el mensaje.
  •   Por otro lado, haciendo estas adaptaciones, podemos alejarnos de la esencia o el aire que respira la película. Podemos atacar a la identidad del film y así tener la sensación de que ha sido manipulado.

 

Las adaptaciones de frases hechas, referencias a personajes desconocidos para la cultura de destino, algunas expresiones, chistes u elementos humorísticos, llevan al espectador a empatizar con la obra audiovisual. Lo que si es necesario, es realizar estudios descriptivos en muchos campos  a la hora de hacer esa adaptación. No se trata de traducir lo primero que se pase por la cabeza, aunque a veces a sí lo parezca, sobre todo con algunos ejemplos que veréis más adelante. Estos estudios serían:

 

  • Por ejemplo, las distribuidoras y los directores de montaje estudian adaptaciones anteriores del genero o estilo de la película a adaptar. Esto ayuda a dar con la tecla del éxito.
  • También se estudian los puntos comunes entre culturas y las distancias.
  • Se estudia la posición de la cultura receptora en el contexto internacional.
  • Que apertura existe en la cultura receptora. A qué tipos de presiones externas esta sometida: religiosas, de lo políticamente correcto, sociales, estilísticas…
  • Cuál es la cultura lingüística que existe en la cultura receptora.

 

Estos estudios y otros muchos ayudan al traductor, o al encargado de hacer la subtitulación (en el caso de ser exhibida en versión original), a que la obra se proyecte en las salas siendo lo más verosímiles con la realidad de cada cultura.

Unos dirán que hacer estas adaptaciones culturales modificando o cambiando las expresiones originales van en contra del humor `inteligente´  y son una `cutrez´. Otros consideran que muchas de las expresiones adaptadas están sujetas a frases de moda del momento, como el “ahora vas y lo cascas” de la película Shrek, expresiones con fecha de caducidad. Por último, no suele gustar naturalizar lugares de procedencia, como ocurre en la película de Ali G, en la que el protagonista afirma que viene de Lugo, desdibujando por completo la esencia de la película.

 

Los partidarios de la naturalización o adaptación cultural de los films consideran que en muchos casos, sobre todo en comedias, acudimos al cine a pasar un buen rato, a reírnos buscando el humor fácil, para lo cual es necesario comprender y sentir cercano aquello que nos cuentan en la gran pantalla.

 

También ven ventajosa esta adaptación los responsables del marketing del film. El poder utilizar voces de estrellas conocidas, que además añaden sus coletillas o frases, satisfacen a sus seguidores y arrastran a la gente a las salas.

 

Esta adaptación de las películas no es más que una fase más del cine. En palabras del prestigioso actor de doblaje Alejandro Ávila, en su libro El Doblaje: “el doblaje y la adaptación son una trampa”, a lo que añade que son unos más de los efectos que utiliza el cine para que su obra sea universalmente creíble. Y es que en el fondo el cine es eso, ver un relato de ficción, una historia inventada, pero que por un rato sentimos nuestra e interiorizamos. Cuanto más verosímil nos resulte quizás más efectos positivos evocará en la audiencia, ya que esta se identificará más con los actores y sus historias.

 

Lanzada la reflexión. Juzgar vosotros mismos esta serie de ejemplos que incluimos en este post. ¿Estáis de acuerdo con esta naturalización del lenguaje? ¿Preferís una traducción o subtitulación completamente literal?

 

¿Ali-G viene de Lugo?

Salem habla de Arguiñano por ejemplo.

Ted habla de “chonis”, término español.