¿Cómo se viven las escenas de sexo en cine?

Y ahora que son más de las doce, terminamos el día con un post bastante picante, ¿qué piensan realmente los actores sobre las escenas de sexo?. Hay una gran variedad de secretos, métodos y trucos para estas ocasiones pero lo cierto es que cada película, cada personaje y cada actor lo vive de una forma totalmente diferente.

Un ejemplo es el del director Álex de la Iglesia, quien pidió a su equipo de ‘Crimen Ferpecto’ que se desnudara para que se pusieran al mismo nivel que Kira Miró en una escena de sexo, de esa forma, calmarían los nervios de la actriz al estar todo el mundo en la misma posición que ella.

Kira Miró en 'Crimen Ferpecto' de Álex de la Iglesia.

Kira Miró en ‘Crimen Ferpecto’ de Álex de la Iglesia.

Por otro lado, Tristán Ulloa comenta que se pasa mal al excitarse involuntariamente en una secuencia y que se tiene una vergüenza enorme. Las tácticas de Fernando Tejero son más simpáticas y es que, antes de rodar su escena, se desvistió y paseó alrededor de todo el equipo y les dijo: “esto es lo que hay, no hay más”. Si queréis más información os recomendamos que veáis el siguiente documental: Sexo en el Plató – TeleDocumentales.

De todas formas, lejos queda el cine español de algunas producciones en las que el acto sexual se escenefica de forma real. Tal es el caso de Mark Rylance y Kerry Fox en ‘Intimacy’ (2001); Vincent Gallo y Chloë Sevigny en ‘The Brown Bunny’ (2003); Margo Stilley y Kieran O´Brien en ‘9 canciones’ (2004); o la más reciente, ‘Anticristo’ (2009), protagonizada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg y dirigida por Lars Von Trier. Éste último director ha dirigido varias películas porno y ya ha captado a uno de los actores hollywoodienses más afamados de la actualidad (Shia LaBeouf) para su próxima película, `The Nymphonamiac´, en la que se le exige realizar el acto sexual con su compañera de reparto delante de las cámaras.

No obstante, no será la primera aparición en desnudo integral del actor ya que fue el protagonista del videoclip de Fjögur Píanó, una canción del grupo islandés de música experimental Sigur Rós. En el vídeo, el actor se ve en envuelto en un círculo interminable de adicción y deseo con la bailarina Denna Thompsen.

No todos los actores piensan lo mismo acerca de las escenas de sexo y es que, la actriz Vanessa Hudgens ha hecho su primera escena de cama y la última. La actriz norteamericana asegura que ha sido muy incómodo grabar esas secuencias y ya le ha pedido a su agente que tenga muy presente no barajar esa opción en su agenda. En el largometraje ‘Spring Breakers’, la protagonista de ‘High School Musical’ rueda varias posturas comprometidas en una piscina no sólo con James Franco sino también con la co-protagonista de la película, Ashley Benson.

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De izquierda a derecha: Ashley Benson, James Franco y Vanessa Hudgens en ‘Spring Breakers’.

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¿Cómo se hizo el cambio de Bella en ‘Amanecer. Parte 1’?

La saga Crepúsculo puede tener tantos seguidores como detractores, pero lo que no se puede negar es que su penúltima película (‘Amanecer. Parte 1’) llamó la atención por la transformación que sufrió su protagonista, Bella Swan (interpretada por Kristen Stewart), a lo largo de sus 117 minutos de duración.

ImageJohn Bruno, supervisor de efectos especiales, insistió en los cambios físicos del personaje: “se casa, tiene sexo vampírico, se queda embarazada, pierde 13kg, se enferma, está al borde de la muerte y revive como vampiro”. Por eso, se tuvieron que completar 1275 tomas de efectos visuales con un límite de tres meses: “lo más grande en todo este proceso fue el no perder nunca la expresión y la emoción en los ojos de los personajes”, afirmó.

ImagePara conseguir que Bella perdiera tanto peso y pareciera bulímica, se utilizó una combinación de efectos especiales prácticos y CGI, para hacer que las 200 tomas del ‘Efecto Bella’ (como lo llamaron) fueran creíbles. La compañía Legacy Effects, que se encarga de los efectos para las criaturas, hizo una serie de retoques a la actriz durante una sesión de maquillaje de tres horas. Le hundieron los ojos y le marcaron los pómulos, la barbilla y las clavículas. La prueba de rodaje fue grabada y enviada a Lola VFX, responsables de hacer que, en las imágenes, apareciera más delgada. Para ello usaron prótesis, reduciendo el presupuesto del rodaje digital, pero les daba el problema de que le sobresalían por la sien, creando sombras extrañas que tuvieron que eliminar más tarde. Además, tuvieron que deformar las prótesis para ajustarlas al aspecto natural y en progreso que mostraba Bella.

ImagePara apoyarse, Legacy creó un maniquí a tamaño real de Bella ya demacrada, y se guiaban con él para hacer las deformaciones corporales. Hicieron más delgados sus piernas y brazos, y consiguieron que se le marcasen los huesos de los nudillos. Además, se usaron patrones 3D de su cabeza para cada toma, desarrollando un truco para envolver una imagen bidimensional en una imagen geométrica en 3D. Tenían dos cabezas de Kristen Stewart en 3D, una de ellas era normal y la otra demacrada, proyectando una dentro de la otra. Luego se ponía como base la imagen normal, transfiriendo sus colores a la imagen demacrada. Así, sólo tenían que deformar la periferia orbital y los pómulos.

Próximamente, en ‘Detrás de las cámaras’, os explicaremos cómo se hizo el rápido crecimiento de la hija de Bella en ‘Amanecer. Parte 2’.

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La importancia de la música en cine

Muy a nuestro pesar,  hay una tendencia generalizada a valorar una película atendiendo exclusivamente a la calidad y grandeza de su imagen o a la profundidad del guión. De ahí, que en gran parte se califique como buena o mala. No estamos diciendo que no sea importante pero hay algo muy importante a tener en cuenta que se pasa bastante por alto: la música o banda sonora.

La calidad de un film puede variar en función de este último parámetro y es que, la sonorización de una película es una gran herramienta de ambientación para determinadas escenas. Muchos de los grandes compositores ayudan a reforzar pasajes alegres, melancólicos, terroríficos o de acción. Tanto es así, que no son pocas las ocasiones en las que un director no ve que su pieza funciona hasta encontrar una buena música. De hecho, varias veces se han tenido que contratar a varios compositores con la esperanza de que alguno de ellos de en el clavo. La música expresará aquellos sentimientos, circunstancias, pensamientos e ideas que podrán alcanzar y traspasar la sensibilidad del espectador y conseguir una transformación psicológica en él.

Bernard Herrmann fue un compositor estadounidense especializado en el género cinematográfico. Galardonado con un premio de la Academia a la mejor música de película dramática por su trabajo, ‘El hombre que vendió su alm’a (1941), es principalmente conocido por sus colaboraciones con Orson Welles (‘Ciudadano Kane’, ‘La guerra de los mundo’s) y con Alfred Hitchcock, director con el que Herrmann cosechará la mayoría de sus grandes éxitos (‘Vértigo’, ‘El hombre que sabía demasiado’, ‘Psicosis’).

Os mencionamos a esta figura de la música cinematográfica por una frase que va a dirigir el contenido de lo que qeda del post: “La música debe suplantar lo que los actores no alcanzan a decir, puede dar a entender sus sentimientos, y debe aportar lo que las palabras no son capaces de expresar”.

Respecto a esta frase de Herrmann, el equipo de ‘Detrás de las Cámaras’ ha elaborado un pequeño experimento en el que podremos ver que, con la misma secuencia pero con diferente música, la interpretación de la actriz, la historia y la atmósfera de las imágenes pueden variar completamente.

En el primer vídeo, hemos colocado una música de misterio a las imágenes. Por ello, parece que cuando la chica mira por la ventana está tramando algo, o incluso espiando a alguien. Por su mirada, incluso podemos descifrar que hay odio en ella y que lo que está pensando lo está haciendo de forma oculta a las demás personas.

En el segundo vídeo la historia cambia completamente. Se trata de una música alegre. Podríamos pensar perfectamente que la mirada de esa chica tenebrosa, ahora cambia a feliz. Parece que está mirando por la ventana de un cuarto de hotel en el que está disfrutando del paisaje y de sus vacaciones. La cosa no es para nada parecida al anterior ejemplo.

El tercer vídeo es mucho más melancólico. Le hemos puesto una música triste que recuerda a un desamor. En este caso, la joven está mirando por la ventana recordando a un amor pasado o un amor que no pudo ser, o incluso, viendo cómo su amor se aleja poco a poco sin que ella pueda hacer nada. Ahora, su rostro refleja tristeza, y tal vez, nos podríamos imaginar que el brillo de sus ojos puede acabar en alguna lágrima.

Finalmente, el último clip tiene una atmósfera terrorífica. En él, podríamos pensar que la chica va a ser atacada por detrás de un momento a otro sin darse cuenta del peligro que está corriendo. Cuando en las demás secuencias ella era el punto de mira, en ésta estamos muy pendientes de qué puede pasar por sus espaldas.

Bueno, y aquí os dejamos nuestro pequeño experimento que recalca la importancia de una buena banda sonora en una película para transmitir diferentes sensaciones. Es importante agradecer y mencionar la ayuda de la modelo: Gloria García Giménez (@Glowely), la cual se ha prestado sin ningún inconveniente.

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Un viaje de cine

Si te apasiona el cine y viajar, hemos encontrado la empresa que buscas. Si lo que quieres es elegir un viaje de cine, entra en Cine y Viajes, una empresa que utiliza las películas para seguir soñando fuera de ellas y es que, su lema es ‘porque cada Película es un Viaje convertimos nuestros Viajes en Películas’.

Presentan una variedad de Viajes de Cine con películas que llevarán a revivir las emociones que alguna vez sentimos en la sala oscura de nuestros recuerdos de Sesión Continua, Blanco y Negro o Technicolor, en sábana o Cinemascope. Se trata de una oferta en la que se organizan distintos viajes a los lugares donde se rodaron o donde su especial atmósfera pueda llevarnos a revivir todas aquellas emociones. Visita la biblioteca o la verdadera escuela de Harry Potter.

Se trata de viajes organizados por un equipo de profesionales que podrán asesorarte en todo momento. Son personalizados ya que tú eres el que eliges cómo repartirte el tiempo. Asimismo, son ellos los que seleccionan y combinan el desplazamiento, alojamiento, seguros y servicios que puedas necesitar, siempre con las mejores tarifas y precios del mercado. Por otro lado, nunca te faltarán los datos sobre las películas aludidas ya que añaden un detallado dossier de localizaciones y un recuerdo tematizado.

Porto (Libreria de Lello e Irmao)

La librería de Lello e Irmao, situada en Oporto, ha sido utilizada como escenario para rodar algunas películas de Harry Potter.

Organizan los viajes conforme a tus necesidades ya que no hay límite de personas, puedes viajar en pareja, solo, con tu familia, con un grupo de fans o empresas, etc. Además, si no encuentras tu película favorita entre las propuestas, puedes contactar con ellos para que la incluyan dentro de futuros proyectos.

La empresa CEPDECI, propietaria de esta página, se creó en 1996 para la organización de convenciones, seminarios, cursos de formación, ‘educational-tours’, ‘shopping tours’, ‘fam-trips’, etc. No obstante, ha habido una evolución y ahora se centra más en la organización de todo tipo de Eventos Culturales y Deportivos, empresas y organismos a las que aportan su conocimiento de la zona y sus recursos así como la operativa logística de alojamiento y servicios.

Es importante mencionar que no son una agencia de internet. Llamémoslo por su nombre, son agentes de viajes cuyo trabajo es asesorar, aconsejar y ayudar a que los clientes disfruten de sus viajes en cuestiones de calidad, que sean una agradable experiencia y que sirven como fuente de conocimiento, trabajo o descanso.

En definitiva, os presentamos una nueva forma de viajar. Unos viajes que, a la par de descubriros lugares impresionantes, os harán recordar y haceros los protagonistas mismos de las historias que más os han impresionado en uno de vuestros mayores placeres, el cine.

Fuente / www.cineyviajes.com

Foto / paspalleteir@

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La revolución de 1995: El Dogma

dogme-951¿Podríais imaginaros una película sin escenarios decorados, sin sonido extradiegético, sin focos de iluminación o sin el empleo del trípode o la dolly? En efecto, esto existe, y no nos referimos a las antípodas del cine. Tan sólo tenemos que retroceder hasta 1995 para observar cómo un grupo de directores daneses revolucionó la gran pantalla en la búsqueda de la esencia del cine.

En 1995 el cineasta danés Lars Von Trier junto a Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen, entre otros directores, ante la increible amalgama de cine comercial que la industria cinematográfica estaba explotando, decidieron recuperar la esencia del arte del cine.

Según ellos, sólo despojando al cine de efectos y recursos especiales podría volverse a la verdad esencial que, con la naturalidad de una instantánea es posible captar a través de la cámara.

Para forjar su movimiento, los directores escribieron un documento llamado Voto de castidad, donde planteaban la necesidad de cambiar la esencia del cine y se comprometían a dirigir sus películas respetando una serie de extrictas normas, a través de las cuales buscaban la verdad profunda:

VOTO DE CASTIDAD

Juro someterme a las siguientes redactadas y confirmadas por DOGME 95:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locación. No se puede decorar ni crear un “set”. Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).

3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).

4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).

5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).

7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corrobar que la película tiene lugar aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Desde ahora en adelante prometo como director no ejercer ningún tipo de gusto personal. Ya no soy un artista. Desde ahora en adelante prometo no crear una “obra”, ya que considero que el instante y el ahora son más importantes que todo el producto. Mi meta absoluta es forzar la verdad de mis personajes. Prometo hacerlo a toda costa dentro de mis posibilidades y a costa de cualquier buen gusto estético.

Es por ello que hago mi VOTO DE CASTIDAD

Copenhage, Lunes 13 de marzo de 1995

En nombre del DOGME 95

Lars von Trier – Thomas Vinterberg

 

Si tenéis curiosidad por ver el resultado de una de las películas que se han rodado siguiendo todas estas pautas, aquí os dejamos con Los idiotas, del director y fundador de este movimiento, Lars Von Trier.IDIOTERNE

PELÍCULA ‘LOS IDIOTAS’, LARS VON TRIER

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El Cine-Ojo de Vertov y su legado en la historia del cine

Echando la vista atrás, en las primeras décadas del cine surgió un movimiento completamente trasgresor y desafiante de lo que hasta ese momento se entendía por cine: Un arte muy apegado al teatro y a la literatura, a modo de prolongación de ambos en la que todo estaba bien planificado y respondía al orden natural de las cosas. Dziga Vertov o Denis Arkadi Kaufman, su verdadero nombre, fue un pilar indiscutible del cine documental soviético con visión propagandista del comunismo. Además de creador de la corriente cinematográfica Cine-Ojo, donde se buscaba una total objetividad en la captación de las imágenes, lo que exigía ningún tipo de preparación previa, ni guión, ni puesta en escena estudiada, ni actores, sino la vida misma filmada.

 

 

Imagen típica del Cine-Ojo

El movimiento presentado se conoce como Cine-Ojo porque su creador sostuvo la idea de que la cámara ve mejor y más allá que el ojo humano. Vertov descubrió que el ojo humano era capaz de captar una imagen de entre dos y tres fotogramas y asimilarla, lo que permitía emplear fragmentos muy pequeños de planos con cortes ilógicos que atacaban la temporalidad del relato y las estructuras horizontales del pensamiento. El Cine-Ojo retrata todo lo que envuelve al cámara, sin valerse de las normativas, saltándose el eje si es necesario y alejándose del estilo tradicional de manejo del aparato de grabación.

 

Este modelo cinematográfico ve más que el ojo humano porque nos acerca realidades y momentos temporales distintos y alejados entre si gracias al posterior montaje. Esta corriente desarrollo mucho la postproducción. Se trataba de que la cámara nos mostrará todo lo que desconocemos de forma que después nosotros sacáramos conclusiones de aquello que se nos mostraba sin orden aparente, ni racional, ni temporal.

 

Dziga vertovEn su momento, como ocurre con todos los creadores que trataron de saltarse alguna vez en la historia el orden preestablecido, el movimiento fue más bien un fracaso. Se acusó a esta corriente de antirrealista, narcisista y

reaccionaria con la realidad soviética.

 

Pero lo cierto es que años después sirvió de inspiración a otras corrientes cinematográficas como la ‘Nouvelle Vague‘, a finales de los años 50, el ‘Nuevo Cine Alemán‘ o el ‘Cine Dogma‘ 95 danés. El primero de estos tres estilos se apropió de la idea de no trabajar con actores profesionales ni utilizar decorados; el segundo adquirió esa idea de cine documental, y el tercero es uno de los máximos exponentes del Cine-Ojo, con un rodaje al más puro estilo de la visión del ojo humano, sin recursos técnicos y con cámara al hombro.

Aquí tenéis algunos ejemplos de estos estilos cinematográficos que os brinda ‘Detrás de las Cámaras’:

 

 

La magia del Chroma Key

El croma o Chroma Key es una de las técnicas audiovisuales más recurrentes que se utiliza tanto en cine, televisión o fotografía para suplantar una imagen por otra.

Simplemente consiste en extraer uno de los colores primarios de la imagen, normalmente el verde o el azul y reemplazar el áreaq que ocupaba ese color por otra imagen. El rojo no se podría usar si van a haber personas en la escena, porque la piel tiene tonalidades rojizas y habrían interferencias de color.

Esto se hace sobre todo cuando es técnicamente imposible rodar a los personajes en el escenario deseado. Un ejemplo, Por ejemplo, si queremos grabar una escena de un hombre volando, es muy fácil hacerlo recurriendo al croma:

Croma

Eso sí, hay que tener en cuenta que ningún objeto que intervenga en la escena puede ser del mismo color que el croma, porque entonces la imagen que se inserte para sustituirlo, también se reflejará sobre este objeto.

Para que el fondo reproduzca el mismo movimiento de cámara que la imagen original, durante el rodaje se fijan en la pared del plató unos puntos de rastreo que después son detectados por el ordenador y su movimiento transferido al nuevo fondo. Otra técnica para lograr esto, muy utilizada en televisión, consiste en rodar en un “plató virtual” cuyas cámaras tranmiten en directo las coordenadas de sus movimientos al ordenador, y este a su vez las aplica, también en tiempo real, al nuevo fondo, un escenario creado digitalmente en 3 dimensiones.

El principal problema de los directores de fotografía tanto para cine, publicidad o televisión es conseguir un color uniforme en el que el ciclorama esté iluminado uniformemente, sin sombras ni arrugas. Uno de los ejemplos más típicos de croma y que vemos todos los días en la televisión es el mapa del tiempo en las noticias, donde el presentador en realidad está señalando a una pared verde, algo totalmente diferente a lo que vemos desde casa:

tiempo

Como  ejemplo de Croma en su máxima potencia, os dejamos con una de las escenas más impactantes de DESTINO FINAL 5, donde podemos ver como a partir de esta fantástica técnica podemos crear escenas realmente impactantes:

 

ESCENA CROMA ‘DESTINO FINAL 5’

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Tras el doblaje de ‘¡Rompe Ralph!’

¡Rompe Ralph!’ (‘Wreck-It Ralph’) es la nueva película de Disney, dirigida por el ganador de un premio Emmy, y colaborador de ‘Los Simpson’, Rich Moore. El día de Navidad ha sido el elegido para estrenar este largo animado en los cines españoles.

banner rompe ralph

Su trama empieza con Ralph, que sueña con ser tan querido como el hombre perfecto arréglalo-todo, Fix-It Félix. El problema es que a nadie le gusta un chico malo, pero en cambio todos aman a los héroes… así que cuando un moderno juego llega con un personaje malo, que es un sargento Calhoun, Ralph lo ve como su oportunidad para el heroísmo y alcanzar la felicidad. Ralph se mete en el juego con un simple plan –ganar medallas de todo-, pero accidentalmente libera un enemigo mortal que amenaza a todos los juegos del arcade. ¿Será Ralph lo suficientemente bueno y hábil para convertirse en un héroe antes de que sea “Game Over” para toda el arcade?

Y claro, como toda película animada (y, en general, como toda película que llega a España), tiene todo un trabajo de doblaje detrás. En el doblaje original se pueden escuchar las voces de John C. Reilly, Sarah Silverman, Jack McBrayer o Jane Lynch. En España, escucharemos a actores tan conocidos como José Coronado, Karra Elejalde, Álex de la Iglesia, Fernando Guillén Cuervo y Carlos Bardem. Pero, ¿quién es quién en esta nueva obra de arte de Disney

Carlos Bardem (actor, guionista y escritor) es ‘Kano’, un personaje del juego ‘Mortal Kombat’, maestro de las armas cortantes y líder del clan Dragón Negro. José Coronado (ganador del Goya al Mejor Actor Protagonista por ‘No habrá paz para los malvados’) es ‘Satán’, que pertenece al juego de rol ‘Diablo’. Álex de la Iglesia (director, productor y guionista) es ‘M. Bison’, el implacable dictador mundial de ‘Street Fighter’, que aprende a reprimir su Psycho Power en la terapia de malos. Karra Elejalde (‘Invasor’) es ‘Robotnik’, el antagonista principal de la serie ‘Sonic’. Y, por último, Fernando Guillén Cuervo (actor) interpreta a ‘Bowser’, enemigo principal de Mario de ‘Super Mario Bros’.

Desde ‘Detrás de las cámaras’ os dejamos unos vídeos, disponibles en Internet, sobre cómo ha sido el proceso de doblaje de esta película. No os lo perdáis, merece la pena verlos.

El uso creativo del ‘Balance de Blancos’ (videopost)

Foto tomada a 4600KFoto tomada a 7500K

¿Qué es exactamente el balance de blancos? Esta indispensable opción sirve para que la cámara, según la temperatura de color que haya (método usado para cuantificar el color de la luz) siempre interprete el blanco en su mayor pureza y a partir de ahí, calcule el resto de los colores para dar una mayor fidelidad a la imagen.

Pero es posible que no queramos interpretar los colores con fidelidad, sino que busquemos otros estilos o sensaciones. Dependiendo de la escena que tengamos ante nosotros, podremos acentuar matices y crear dominantes hacia los colores cálidos o fríos.

Descubre aquí como los alumnos de Comunicación audiovisual de la universidad CEU Cardenal Herrera crean un ambiente oscuro y tenebroso a plena luz:

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Menú: Elegir idioma: Español.

Luis Varela en el doblaje de 'Up'Hoy queremos hacer un pequeño homenaje a los grandes artistas españoles que se esconden tras los actores de cualquier película extranjera:  los dobladores. Las grandes voces de nuestro país nos permiten entender cualquier cosa de la industria del cine o la televisión, venga de donde venga y sin necesidad de seleccionar los molestos subtítulos.

El proceso de doblaje de una película no es tan costoso como muchos se imaginan. Por ejemplo, una película puede ser doblada con éxito en tres jornadas de trabajo de 7 horas. Esto quiere decir que unas 20 horas, se lleva a cabo el proceso de elección de actores, adaptación del guión y minutado de los takes.Esta agilidad se debe a la profesionalidad de los que lo llevan a cabo, no les gusta llamarse dobladores sino actores de doblaje, puesto que todos ellos son verdaderos actores que, en un pequeño estudio fuera del contexto del rodaje, deben interpretar todos los sentimientos del actor original usando sólo el poder de su voz.

Para iniciarse en esta profesión no basta con tener una buena voz, hay que saber interpretar y trasladar esos matices originales de la película al idioma de destino. Por ello, en España hay escuelas de doblaje muy reconocidas que antes de cada trabajo, lo que hacen es un proceso de interpretación con el director para captar la esencia del guión original.

Una vez grabados los takes, se mezclan todas las voces con el resto de sonidos de la obra finalizando así la labor de doblaje. Pero no es nada sencillo: existen grandes horrores del doblaje, llamados así por no haberlos tratado adecuadamente. Es el caso por ejemplo de El Resplandor, una gran película con un pésimo doblaje por no haber sabido escoger a los actores adecuados.

Pero para gustos, colores. Mucha gente piensa que ver una película doblada es una atrofia de la esencia original de esta, y que el esfuerzo actoral se pierde en gran medida. Pero, ¿qué pasa cuando el espectador final no entiende el idioma origen y debe estar leyendo los subtítulos de principio a fin? Que gran parte de la interpretación, como puede ser la expresión corporal del actor, es imposible de observar al estar continuamente con la vista puesta en los subtítulos.

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