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Avatar: descubriendo los personajes de Pandora

avatar Pocos directores hay que se manejen tan bien con los efectos especiales como el Hollywoodiense James Cameron. Y es que tras “Titanic”, “Terminator”, “Aliens” o El día del juicio” supo superarse con Avatar.

A nivel visual, podríamos decir que es una de las películas más difíciles que se han rodado jamás, no hay más que ver a sus protagonistas (los avatares) y el mundo en el que viven (Pandora).

Cameron se puso el listón muy alto desde el principio, ya que rechazó la opción más común de ‘disfrazar’ a los actores para hacerlos pasar por avatares. Él quería llegar más allá. Si utilizaba maquillaje no podía jugar con el tamaño de las extremidades, ni con la altura, ni con la separación entre sus ojos… y todo eso forma parte de un Avatar. Así que se acercó al método de cáptura de interpretación pero de una forma más sofisticada, buscando el humanismo en el sujeto.

Para conseguir lo que se proponían, desarrollaron un nuevo sistema de captura de interpretación facial basado en imágenes, por medio de una cámara sujetada en la cabeza del actor y enfocada a su cara, que grabara con precisión los detalles más pequeños de sus gestos faciales. Con la técnica anterior de captura del movimiento, se colocaban marcadores reflectantes en las zonas donde se quería registrar la expresión. En Avatar, los actores llevaban un casco con una cámara pequeñita, como ya hemos comentado. La ventaja con esta novedad fue que se logró conseguir la viveza en sus ojos, puesto que antes carecían de expresión. Además, estas cámaras de captación podían ser empleadas también para registrar los movimientos corporales del los actores.

Con esta técnica se crearon los Na’vi: unos sujetos delgados, muy altos, de ojos separados con un diámetro dos veces superior al de los humanos, cuellos largos y manos de tres dedos. Asombrosamente parecidos a los actores de carne y hueso, Avatar causó sensación en el público, siendo una de las películas más taquilleras de la historia con una recaudación de más de 760 millones de dólares.

Os dejamos a continuación con esta transformación de humano a Na’vi

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Un viaje de cine

Si te apasiona el cine y viajar, hemos encontrado la empresa que buscas. Si lo que quieres es elegir un viaje de cine, entra en Cine y Viajes, una empresa que utiliza las películas para seguir soñando fuera de ellas y es que, su lema es ‘porque cada Película es un Viaje convertimos nuestros Viajes en Películas’.

Presentan una variedad de Viajes de Cine con películas que llevarán a revivir las emociones que alguna vez sentimos en la sala oscura de nuestros recuerdos de Sesión Continua, Blanco y Negro o Technicolor, en sábana o Cinemascope. Se trata de una oferta en la que se organizan distintos viajes a los lugares donde se rodaron o donde su especial atmósfera pueda llevarnos a revivir todas aquellas emociones. Visita la biblioteca o la verdadera escuela de Harry Potter.

Se trata de viajes organizados por un equipo de profesionales que podrán asesorarte en todo momento. Son personalizados ya que tú eres el que eliges cómo repartirte el tiempo. Asimismo, son ellos los que seleccionan y combinan el desplazamiento, alojamiento, seguros y servicios que puedas necesitar, siempre con las mejores tarifas y precios del mercado. Por otro lado, nunca te faltarán los datos sobre las películas aludidas ya que añaden un detallado dossier de localizaciones y un recuerdo tematizado.

Porto (Libreria de Lello e Irmao)

La librería de Lello e Irmao, situada en Oporto, ha sido utilizada como escenario para rodar algunas películas de Harry Potter.

Organizan los viajes conforme a tus necesidades ya que no hay límite de personas, puedes viajar en pareja, solo, con tu familia, con un grupo de fans o empresas, etc. Además, si no encuentras tu película favorita entre las propuestas, puedes contactar con ellos para que la incluyan dentro de futuros proyectos.

La empresa CEPDECI, propietaria de esta página, se creó en 1996 para la organización de convenciones, seminarios, cursos de formación, ‘educational-tours’, ‘shopping tours’, ‘fam-trips’, etc. No obstante, ha habido una evolución y ahora se centra más en la organización de todo tipo de Eventos Culturales y Deportivos, empresas y organismos a las que aportan su conocimiento de la zona y sus recursos así como la operativa logística de alojamiento y servicios.

Es importante mencionar que no son una agencia de internet. Llamémoslo por su nombre, son agentes de viajes cuyo trabajo es asesorar, aconsejar y ayudar a que los clientes disfruten de sus viajes en cuestiones de calidad, que sean una agradable experiencia y que sirven como fuente de conocimiento, trabajo o descanso.

En definitiva, os presentamos una nueva forma de viajar. Unos viajes que, a la par de descubriros lugares impresionantes, os harán recordar y haceros los protagonistas mismos de las historias que más os han impresionado en uno de vuestros mayores placeres, el cine.

Fuente / www.cineyviajes.com

Foto / paspalleteir@

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La revolución de 1995: El Dogma

dogme-951¿Podríais imaginaros una película sin escenarios decorados, sin sonido extradiegético, sin focos de iluminación o sin el empleo del trípode o la dolly? En efecto, esto existe, y no nos referimos a las antípodas del cine. Tan sólo tenemos que retroceder hasta 1995 para observar cómo un grupo de directores daneses revolucionó la gran pantalla en la búsqueda de la esencia del cine.

En 1995 el cineasta danés Lars Von Trier junto a Thomas Vinterberg y Soren Kragh-Jacobsen, entre otros directores, ante la increible amalgama de cine comercial que la industria cinematográfica estaba explotando, decidieron recuperar la esencia del arte del cine.

Según ellos, sólo despojando al cine de efectos y recursos especiales podría volverse a la verdad esencial que, con la naturalidad de una instantánea es posible captar a través de la cámara.

Para forjar su movimiento, los directores escribieron un documento llamado Voto de castidad, donde planteaban la necesidad de cambiar la esencia del cine y se comprometían a dirigir sus películas respetando una serie de extrictas normas, a través de las cuales buscaban la verdad profunda:

VOTO DE CASTIDAD

Juro someterme a las siguientes redactadas y confirmadas por DOGME 95:

1. Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locación. No se puede decorar ni crear un “set”. Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.

2. El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).

3. Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).

4. La película tiene que ser en colores. Luz especial o artificial no está permitida (sí la luz no alcanza para rodar una determinada escena, esta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara).

5. Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.

6. La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden haber armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).

7. Se prohíbe la alineación temporal o espacial. (Esto es para corrobar que la película tiene lugar aquí y ahora).

8. No se aceptan películas de género.

9. El formato de la película debe ser de 35 mm.

10. El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

Desde ahora en adelante prometo como director no ejercer ningún tipo de gusto personal. Ya no soy un artista. Desde ahora en adelante prometo no crear una “obra”, ya que considero que el instante y el ahora son más importantes que todo el producto. Mi meta absoluta es forzar la verdad de mis personajes. Prometo hacerlo a toda costa dentro de mis posibilidades y a costa de cualquier buen gusto estético.

Es por ello que hago mi VOTO DE CASTIDAD

Copenhage, Lunes 13 de marzo de 1995

En nombre del DOGME 95

Lars von Trier – Thomas Vinterberg

 

Si tenéis curiosidad por ver el resultado de una de las películas que se han rodado siguiendo todas estas pautas, aquí os dejamos con Los idiotas, del director y fundador de este movimiento, Lars Von Trier.IDIOTERNE

PELÍCULA ‘LOS IDIOTAS’, LARS VON TRIER

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La magia del Chroma Key

El croma o Chroma Key es una de las técnicas audiovisuales más recurrentes que se utiliza tanto en cine, televisión o fotografía para suplantar una imagen por otra.

Simplemente consiste en extraer uno de los colores primarios de la imagen, normalmente el verde o el azul y reemplazar el áreaq que ocupaba ese color por otra imagen. El rojo no se podría usar si van a haber personas en la escena, porque la piel tiene tonalidades rojizas y habrían interferencias de color.

Esto se hace sobre todo cuando es técnicamente imposible rodar a los personajes en el escenario deseado. Un ejemplo, Por ejemplo, si queremos grabar una escena de un hombre volando, es muy fácil hacerlo recurriendo al croma:

Croma

Eso sí, hay que tener en cuenta que ningún objeto que intervenga en la escena puede ser del mismo color que el croma, porque entonces la imagen que se inserte para sustituirlo, también se reflejará sobre este objeto.

Para que el fondo reproduzca el mismo movimiento de cámara que la imagen original, durante el rodaje se fijan en la pared del plató unos puntos de rastreo que después son detectados por el ordenador y su movimiento transferido al nuevo fondo. Otra técnica para lograr esto, muy utilizada en televisión, consiste en rodar en un “plató virtual” cuyas cámaras tranmiten en directo las coordenadas de sus movimientos al ordenador, y este a su vez las aplica, también en tiempo real, al nuevo fondo, un escenario creado digitalmente en 3 dimensiones.

El principal problema de los directores de fotografía tanto para cine, publicidad o televisión es conseguir un color uniforme en el que el ciclorama esté iluminado uniformemente, sin sombras ni arrugas. Uno de los ejemplos más típicos de croma y que vemos todos los días en la televisión es el mapa del tiempo en las noticias, donde el presentador en realidad está señalando a una pared verde, algo totalmente diferente a lo que vemos desde casa:

tiempo

Como  ejemplo de Croma en su máxima potencia, os dejamos con una de las escenas más impactantes de DESTINO FINAL 5, donde podemos ver como a partir de esta fantástica técnica podemos crear escenas realmente impactantes:

 

ESCENA CROMA ‘DESTINO FINAL 5’

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El uso creativo del ‘Balance de Blancos’ (videopost)

Foto tomada a 4600KFoto tomada a 7500K

¿Qué es exactamente el balance de blancos? Esta indispensable opción sirve para que la cámara, según la temperatura de color que haya (método usado para cuantificar el color de la luz) siempre interprete el blanco en su mayor pureza y a partir de ahí, calcule el resto de los colores para dar una mayor fidelidad a la imagen.

Pero es posible que no queramos interpretar los colores con fidelidad, sino que busquemos otros estilos o sensaciones. Dependiendo de la escena que tengamos ante nosotros, podremos acentuar matices y crear dominantes hacia los colores cálidos o fríos.

Descubre aquí como los alumnos de Comunicación audiovisual de la universidad CEU Cardenal Herrera crean un ambiente oscuro y tenebroso a plena luz:

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Menú: Elegir idioma: Español.

Luis Varela en el doblaje de 'Up'Hoy queremos hacer un pequeño homenaje a los grandes artistas españoles que se esconden tras los actores de cualquier película extranjera:  los dobladores. Las grandes voces de nuestro país nos permiten entender cualquier cosa de la industria del cine o la televisión, venga de donde venga y sin necesidad de seleccionar los molestos subtítulos.

El proceso de doblaje de una película no es tan costoso como muchos se imaginan. Por ejemplo, una película puede ser doblada con éxito en tres jornadas de trabajo de 7 horas. Esto quiere decir que unas 20 horas, se lleva a cabo el proceso de elección de actores, adaptación del guión y minutado de los takes.Esta agilidad se debe a la profesionalidad de los que lo llevan a cabo, no les gusta llamarse dobladores sino actores de doblaje, puesto que todos ellos son verdaderos actores que, en un pequeño estudio fuera del contexto del rodaje, deben interpretar todos los sentimientos del actor original usando sólo el poder de su voz.

Para iniciarse en esta profesión no basta con tener una buena voz, hay que saber interpretar y trasladar esos matices originales de la película al idioma de destino. Por ello, en España hay escuelas de doblaje muy reconocidas que antes de cada trabajo, lo que hacen es un proceso de interpretación con el director para captar la esencia del guión original.

Una vez grabados los takes, se mezclan todas las voces con el resto de sonidos de la obra finalizando así la labor de doblaje. Pero no es nada sencillo: existen grandes horrores del doblaje, llamados así por no haberlos tratado adecuadamente. Es el caso por ejemplo de El Resplandor, una gran película con un pésimo doblaje por no haber sabido escoger a los actores adecuados.

Pero para gustos, colores. Mucha gente piensa que ver una película doblada es una atrofia de la esencia original de esta, y que el esfuerzo actoral se pierde en gran medida. Pero, ¿qué pasa cuando el espectador final no entiende el idioma origen y debe estar leyendo los subtítulos de principio a fin? Que gran parte de la interpretación, como puede ser la expresión corporal del actor, es imposible de observar al estar continuamente con la vista puesta en los subtítulos.

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El cine en 3D, ¿cómo se hace?

Pocos cines quedan en España, y en el mundo, que no tengan al menos una sala para la proyección de películas en tres dimensiones. Amadas por unos y odiadas por otros, pero seguro que lo que muchos se preguntan es cómo es posible esta tecnología.

ImageNosotros percibimos el mundo en tres dimensiones a través de la visión estereoscópica, es decir, la visión binocular de un objeto produce la sensación de tridimensionalidad cuando el cerebro procesa dos imágenes capturadas desde puntos ligeramente distintos. Pues el cine en 3D intenta que el espectador perciba la película de la misma forma que percibe el mundo real, aunque cuentan con la limitación de que las pantallas sobre las que se proyectan las películas son bidimensionales.

La profundidad en una fotografía o película o, mejor dicho, la ilusión de profundidad, se consigue mostrando imágenes ligeramente diferentes a cada ojo. Pongamos el ejemplo de la primera técnica para las películas en tres dimensiones: las gafas especiales de color rojo y azul. Se consigue el efecto a través de dos imágenes superpuestas, con las porciones que deben ser vistas por uno u otro ojo del color opuesto al del celofán que cubre cada lente, y así cada ojo sólo ve la imagen que le corresponde y, en conjunto, se percibe una sensación en 3D.

Actualmente existen otros sistemas. Ahora las gafas tienen un filtro LCD que se sincroniza con el sistema de proyección para tapar uno u otro ojo según corresponda. De hecho, se proyectan dos películas a la vez, una para cada ojo, con frames intercalados. Cuando en la pantalla se proyecta la imagen correspondiente al ojo derecho, las gafas oscurecen el cristal frente al ojo izquierdo, y viceversa.

Pero claro, para que esto funcione las películas deben haber sido grabadas con el formato adecuado. Se necesitan al menos dos cámaras de vídeo que capturen, a la vez, las escenas, cada una recogiendo las imágenes que luego se proyectarán para uno de los dos ojos.

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Crítica de ‘El Hobbit. Un viaje inesperado’

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¿Qué puede llegar a ser más esperado: una nueva entrega de la saga de Tolkien, o otra película en cartelera de Peter Jackson? Pues esta vez lo tenemos todo unido: ‘El Hobbit. Un viaje inesperado’ llega a la gran pantalla por todo lo alto… ¿por todo lo alto? Teniendo en cuenta que el libro en el que se basa el largo ronda las 300 páginas, y han aprovechado para hacer una trilogía, hay que cogerlo con pinzas.

Un temor, muy justificado, es que la historia de esta primera entrega, que dura casi 3 horas, se quede un poco corta. Sin embargo, una vez te metes en la película, te das cuenta que los minutos pasan y pasan y nunca se te hace pesada. Tiene un ritmo trepidante, en el que nunca pasa nada exageradamente descabellado (como sí ocurre en ‘El señor de los anillos’), pero en el que tampoco dejan de pasar cosas. Por eso, su continua acción la hace un film muy entretenido. Entretenido, pero poco complejo y con poco impacto, ya que es una acción quizás más infantil que la de sus predecesoras, en el que las guerras causaban mucho más impacto que las ‘aventurillas’ de este grupo de enanos, hobbits y magos.

Es, entonces, una buena película, pero no al nivel de las aventuras de Frodo. Podría considerarse como una película más humorística y divertida, con una dirección de fotografía espectacular y manteniendo su esencia épica, pero con un tono distinto, mucho más desenfadado.

Respecto a los personajes, comentar que el actor que encarna a Bilbo Bolsón, Martin Freeman, hace un trabajo respetable. Su rostro es de los aspectos más cómicos de la película, y hace que te creas la fantástica historia que te están contando. El grupo de enanos completa ese aspecto humorístico, con personalidades para todos los gustos y un trabajo grupal perfecto. El mago, capitaneando a estos ‘personajillos’, es por todos conocido. Y calificar de… ¿curiosa? la aparición e introducción de Gollum, por todos esperada.

Un asunto digno de comentar en un blog como el nuestro es el nuevo 3D a 48 frames por segundo, al contrario del cine convencional de 24 frames por segundo. Esta tecnología dota al largo de más realismo, aunque sus resultados están dividiendo la opinión pública.

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Visita a la Filmoteca de Valencia

El IVAC (Institut Valencià de l’Audiovisual i de la Cinematografia) concentra todas las materias en cine y audiovisual de la ciudad. También asume las tareas de la Filmoteca, como la conservación, restauración, catalogación y divulgación del patrimonio y la cultura cinematográfica. Por otra parte, fomenta la creación, producción y formación cinematográfica y audiovisual, ya que se encarga de la convocatoria y concesión de las ayudas al sector audiovisual valenciano.

El instituto, que lleva el nombre del cineasta valenciano Ricardo Muñoz Suay, fundador y primer director de la Filmoteca de la Generalitat Valenciana, se ocupa también de la celebración anual del Festival Internacional de Cine de Valencia – Cinema Jove. Festival con una larga trayectoria, plenamente consolidado dentro del abanico de festivales internacionales de cine de España.

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Moviola de 16mm

Desde ‘Detrás de las cámaras’ nos desplazamos a la Filmoteca para que nos expliquen en qué consiste su trabajo y cómo está el sector en la actualidad. Inma Trull, jefa de Recuperación, nos explica que la Filmoteca se encarga de llevar a cabo las tareas de recuperación, restauración, catalogación y conservación de material relacionado con la cinematografía y el audiovisual, además de ser responsable del estudio y difusión del patrimonio audiovisual y la cultura cinematográfica.

Las cifras que Trull nos da nos sorprenden, ya que los fondos audiovisuales del IVAC están compuestos por más de 20.000 títulos, entre producciones de cine valenciano, español y extranjero de todas las épocas. Sin embargo, también afirma que se ha perdido entre el 85% y el 90% del cine de antes de 1950 debido a que estaban hechas de nitrato, que autocombustiona fácilmente.

La Filmoteca ofrece un servicio de recogida de películas antiguas. Puedes llevar allí tus super8 para que los conserven adecuadamente, sin perder los derechos sobre ellos, y te ofrecen una copia para que te la lleves a casa. Trull nos cuenta que, ahora que llega la Navidad, es cuando más películas les llegan, ya que la gente quiere verlas en esta época o regalarlas. El problema es que se necesita bastante tiempo para su recuperación, como mínimo tres meses.

Olga Bonet, del archivo fílmico, se encarga de la catalogación de las películas que reciben en la Filmoteca. Su trabajo consiste en analizar, plano a plano, todos los aspectos de la película. Así pueden hacer un exhaustivo estudio de su estado de conservación. Nos dice que allí tienen mucho material que en Internet no podríamos encontrar, y por eso es necesario que la Filmoteca se mantenga en pie.

Los usuarios pueden hacer uso de sus archivos si visitan las instalaciones, utilizando las cabinas de reproducción que ponen a nuestra disposición. Material que puede ser muy útil para el ámbito de la investigación o incluso por gusto, ya que hay películas de época muy valiosas. Otro dato interesante es que los estudiantes de comunicación pueden hacer uso gratuito de la Filmoteca, así que… ¡animaos!

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En las entrañas de ‘Lo imposible’

Lo imposible ha supuesto un antes y un después en la percepción internacional de lo que puede llegar a ser el cine español. Desde el anuncio de su estreno, de la mano de Juan Antonio Bayona y su equipo técnico, la película ya auguraba ser todo un espectáculo audiovisual. Recrear el Tsunami que sufrió Tailandia en el 2006, era todo un reto para el director de Lo imposible. Además, está basada en la historia real de una familia española que estaba pasando allí sus vacaciones cuando sucedió.

Averigüemos algunas de las dificultades que el equipo tuvo que superar para recrear esa gigantesca ola, la gran riada y todo el desastre que Tailandia vivió aquel día.

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Cuenta Bayona, en una entrevista para Canal+, que para recrear la ola no podían abusar de los efectos digitales porque no daría la sensación de realidad que buscaban. La primera dificultad surgió cuando decidieron que todas las escenas de los personajes se grabarían en Tailandia, pero lo que es el momento de la gran ola, se grabaría en Alicante. El gran problema aquí surge con la luz, porque la inclinación del sol es muy diferente de la que hay en Tailandia a la que hay en Alicante. Sólo había dos horas al día en el que la luz se parecía un mínimo, por lo que tenían ese poco margen para realizar la toma y poder después en post producción combinar ambos escenarios.

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¿Y cómo recrear esa ola? Sin duda, el tsunami debía realizarse a escala, tres veces más pequeño que la ola real. El equipo de Bayona contactó con una empresa de Edimburgo que se dedica a crear olas para parques de atracciones y otros espectáculos audiovisuales, y junto con el equipo de efectos especiales de la película diseñaron las máquinas para reproducir esa ola.

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Para ello, se realizó una gran maqueta de toda la terraza del hotel donde llega la ola a una escala 3 veces menos a la original. Tan sólo se rodó una toma, por lo que se colocaron tantas cámaras en la maqueta como planos tenía la escena. Después de todo el rodaje, el departamento de efectos digitales de Félix Bergés, tenía que ser capaz de combinar mediante capas las escenas rodadas en alicante (ola) con las escenas del hotel (Tailandia). En palabras de Bergés, “lo más difícil ha sido integrar todos los elementos que hemos metido en 3d en el agua y crear ese ambiente de riada”.

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La segunda parte constaba en esa riada, muy compleja porque había que reproducir un canal de agua que mostrara la fuerza del agua al arrastrar a los personajes (todo rodado en Alicante). El secreto estaba en llenar el escenario de bombas de agua, alrededor de 30 bombas repartidas por todos los puntos. El movimiento de los actores cuando la riada les empujaba se consiguió con el uso de unos raíles que pudiera tener controlados sus movimientos y la velocidad con la que avanzaban.

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Otra dificultad, era la de recrear esa extensión tan grande de agua durante la riada, lo que se consiguió también con los efectos digitales: agua, palmeras, hotel… incluso algún extra se consiguió digitalmente.

En el agua tan turbia la visibilidad era nula, por tanto, cada vez que la cámara se adentraba dentro del agua, había que cortar e irse a un plató interior en Ciudad de la Luz y rodar ahí en plano, combinando constantemente planos rodados en interior con planos rodados en exterior.

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En palabras de Bayona, “realmente fue un rodaje tan duro como especial, la experiencia vital más intensa que he tenido en mi vida ha sido rodar esta película”.

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