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‘La Vida de Pi’, perfecta sincronía del 3D con lo real

La compañía del director canadiense (Cameron Pace Group) está detrás del increíble 3D de ‘La vida de Pi‘, la nueva película de Ang Lee. El director taiwanés ha adaptado el best-seller de Yann Martel sobre las aventuras de un joven indio que, tras un naufragio, se encuentra en un bote salvavidas que va a la deriva por el Pacífico. Sus únicos compañeros son una hiena, una cebra, una orangután y un tigre de bengala.

En un principio, Lee fue el primero en pensar que utilizar el 3D en el film iba a ser un proyecto imposible pero que si le añadía otra dimensión podría ser posible, que añadirlo podría abrirle la mente. James Cameron, propietario de Cameron Pace Group, ya tiene experiencia en el terreno después de haber vivido en primera persona el éxito de una de las mejores películas de la historia: ‘Avatar’. Para él, dejarse llevar en la sala de cine por un gran cineasta como Lee es algo fantástico. Y para ello, piensa que el 3D ayuda en gran medida. Por otro lado, Vince Pace, otro de los grandes de Cameron Pace Group, opina que las técnicas digitales utilizadas y la historia encajan perfectamente, lo que hace del largometraje una sintonía de arte en estado puro. El 3D es parte integrante de ese arte.

En este vídeo de ‘La vida de Pi’, Lee cuenta cómo uno de los retos de la película fue el propio animal: “Hubo que usar imágenes generadas por ordenador. De otra manera, algunas escenas habrían sido imposible de filmar”. Solo en la piel del tigre trabajaron más de quice dibujantes. Alguien tenía que controlar y colocar los diez millones de pelos que cubren su cuerpo. Tenían a gente en Los Ángeles, en la India, y algunos otros dibujantes en Vancouver y en Kuala Lumpur, todos trabajando sobre Richard Parker, el tigre.

Con ‘Avatar‘ como hermana gemela, y quizás también con John Carter, ‘La vida de Pi’ llega a los cines con ganas de ilusionar al público, de demostrar que la narración de historias clásicas respaldadas por el uso del CGI, los efectos especiales y una infinita paleta de colores puede cobrar vida en una sala de cine, más si cabe con un impresionante uso del 3D que por seguro deja algunas de las mejores secuencias del año.

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Avatar: descubriendo los personajes de Pandora

avatar Pocos directores hay que se manejen tan bien con los efectos especiales como el Hollywoodiense James Cameron. Y es que tras “Titanic”, “Terminator”, “Aliens” o El día del juicio” supo superarse con Avatar.

A nivel visual, podríamos decir que es una de las películas más difíciles que se han rodado jamás, no hay más que ver a sus protagonistas (los avatares) y el mundo en el que viven (Pandora).

Cameron se puso el listón muy alto desde el principio, ya que rechazó la opción más común de ‘disfrazar’ a los actores para hacerlos pasar por avatares. Él quería llegar más allá. Si utilizaba maquillaje no podía jugar con el tamaño de las extremidades, ni con la altura, ni con la separación entre sus ojos… y todo eso forma parte de un Avatar. Así que se acercó al método de cáptura de interpretación pero de una forma más sofisticada, buscando el humanismo en el sujeto.

Para conseguir lo que se proponían, desarrollaron un nuevo sistema de captura de interpretación facial basado en imágenes, por medio de una cámara sujetada en la cabeza del actor y enfocada a su cara, que grabara con precisión los detalles más pequeños de sus gestos faciales. Con la técnica anterior de captura del movimiento, se colocaban marcadores reflectantes en las zonas donde se quería registrar la expresión. En Avatar, los actores llevaban un casco con una cámara pequeñita, como ya hemos comentado. La ventaja con esta novedad fue que se logró conseguir la viveza en sus ojos, puesto que antes carecían de expresión. Además, estas cámaras de captación podían ser empleadas también para registrar los movimientos corporales del los actores.

Con esta técnica se crearon los Na’vi: unos sujetos delgados, muy altos, de ojos separados con un diámetro dos veces superior al de los humanos, cuellos largos y manos de tres dedos. Asombrosamente parecidos a los actores de carne y hueso, Avatar causó sensación en el público, siendo una de las películas más taquilleras de la historia con una recaudación de más de 760 millones de dólares.

Os dejamos a continuación con esta transformación de humano a Na’vi

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¿Cómo se hizo el cambio de Bella en ‘Amanecer. Parte 1’?

La saga Crepúsculo puede tener tantos seguidores como detractores, pero lo que no se puede negar es que su penúltima película (‘Amanecer. Parte 1’) llamó la atención por la transformación que sufrió su protagonista, Bella Swan (interpretada por Kristen Stewart), a lo largo de sus 117 minutos de duración.

ImageJohn Bruno, supervisor de efectos especiales, insistió en los cambios físicos del personaje: “se casa, tiene sexo vampírico, se queda embarazada, pierde 13kg, se enferma, está al borde de la muerte y revive como vampiro”. Por eso, se tuvieron que completar 1275 tomas de efectos visuales con un límite de tres meses: “lo más grande en todo este proceso fue el no perder nunca la expresión y la emoción en los ojos de los personajes”, afirmó.

ImagePara conseguir que Bella perdiera tanto peso y pareciera bulímica, se utilizó una combinación de efectos especiales prácticos y CGI, para hacer que las 200 tomas del ‘Efecto Bella’ (como lo llamaron) fueran creíbles. La compañía Legacy Effects, que se encarga de los efectos para las criaturas, hizo una serie de retoques a la actriz durante una sesión de maquillaje de tres horas. Le hundieron los ojos y le marcaron los pómulos, la barbilla y las clavículas. La prueba de rodaje fue grabada y enviada a Lola VFX, responsables de hacer que, en las imágenes, apareciera más delgada. Para ello usaron prótesis, reduciendo el presupuesto del rodaje digital, pero les daba el problema de que le sobresalían por la sien, creando sombras extrañas que tuvieron que eliminar más tarde. Además, tuvieron que deformar las prótesis para ajustarlas al aspecto natural y en progreso que mostraba Bella.

ImagePara apoyarse, Legacy creó un maniquí a tamaño real de Bella ya demacrada, y se guiaban con él para hacer las deformaciones corporales. Hicieron más delgados sus piernas y brazos, y consiguieron que se le marcasen los huesos de los nudillos. Además, se usaron patrones 3D de su cabeza para cada toma, desarrollando un truco para envolver una imagen bidimensional en una imagen geométrica en 3D. Tenían dos cabezas de Kristen Stewart en 3D, una de ellas era normal y la otra demacrada, proyectando una dentro de la otra. Luego se ponía como base la imagen normal, transfiriendo sus colores a la imagen demacrada. Así, sólo tenían que deformar la periferia orbital y los pómulos.

Próximamente, en ‘Detrás de las cámaras’, os explicaremos cómo se hizo el rápido crecimiento de la hija de Bella en ‘Amanecer. Parte 2’.

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La magia del Chroma Key

El croma o Chroma Key es una de las técnicas audiovisuales más recurrentes que se utiliza tanto en cine, televisión o fotografía para suplantar una imagen por otra.

Simplemente consiste en extraer uno de los colores primarios de la imagen, normalmente el verde o el azul y reemplazar el áreaq que ocupaba ese color por otra imagen. El rojo no se podría usar si van a haber personas en la escena, porque la piel tiene tonalidades rojizas y habrían interferencias de color.

Esto se hace sobre todo cuando es técnicamente imposible rodar a los personajes en el escenario deseado. Un ejemplo, Por ejemplo, si queremos grabar una escena de un hombre volando, es muy fácil hacerlo recurriendo al croma:

Croma

Eso sí, hay que tener en cuenta que ningún objeto que intervenga en la escena puede ser del mismo color que el croma, porque entonces la imagen que se inserte para sustituirlo, también se reflejará sobre este objeto.

Para que el fondo reproduzca el mismo movimiento de cámara que la imagen original, durante el rodaje se fijan en la pared del plató unos puntos de rastreo que después son detectados por el ordenador y su movimiento transferido al nuevo fondo. Otra técnica para lograr esto, muy utilizada en televisión, consiste en rodar en un “plató virtual” cuyas cámaras tranmiten en directo las coordenadas de sus movimientos al ordenador, y este a su vez las aplica, también en tiempo real, al nuevo fondo, un escenario creado digitalmente en 3 dimensiones.

El principal problema de los directores de fotografía tanto para cine, publicidad o televisión es conseguir un color uniforme en el que el ciclorama esté iluminado uniformemente, sin sombras ni arrugas. Uno de los ejemplos más típicos de croma y que vemos todos los días en la televisión es el mapa del tiempo en las noticias, donde el presentador en realidad está señalando a una pared verde, algo totalmente diferente a lo que vemos desde casa:

tiempo

Como  ejemplo de Croma en su máxima potencia, os dejamos con una de las escenas más impactantes de DESTINO FINAL 5, donde podemos ver como a partir de esta fantástica técnica podemos crear escenas realmente impactantes:

 

ESCENA CROMA ‘DESTINO FINAL 5’

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El cine en 3D, ¿cómo se hace?

Pocos cines quedan en España, y en el mundo, que no tengan al menos una sala para la proyección de películas en tres dimensiones. Amadas por unos y odiadas por otros, pero seguro que lo que muchos se preguntan es cómo es posible esta tecnología.

ImageNosotros percibimos el mundo en tres dimensiones a través de la visión estereoscópica, es decir, la visión binocular de un objeto produce la sensación de tridimensionalidad cuando el cerebro procesa dos imágenes capturadas desde puntos ligeramente distintos. Pues el cine en 3D intenta que el espectador perciba la película de la misma forma que percibe el mundo real, aunque cuentan con la limitación de que las pantallas sobre las que se proyectan las películas son bidimensionales.

La profundidad en una fotografía o película o, mejor dicho, la ilusión de profundidad, se consigue mostrando imágenes ligeramente diferentes a cada ojo. Pongamos el ejemplo de la primera técnica para las películas en tres dimensiones: las gafas especiales de color rojo y azul. Se consigue el efecto a través de dos imágenes superpuestas, con las porciones que deben ser vistas por uno u otro ojo del color opuesto al del celofán que cubre cada lente, y así cada ojo sólo ve la imagen que le corresponde y, en conjunto, se percibe una sensación en 3D.

Actualmente existen otros sistemas. Ahora las gafas tienen un filtro LCD que se sincroniza con el sistema de proyección para tapar uno u otro ojo según corresponda. De hecho, se proyectan dos películas a la vez, una para cada ojo, con frames intercalados. Cuando en la pantalla se proyecta la imagen correspondiente al ojo derecho, las gafas oscurecen el cristal frente al ojo izquierdo, y viceversa.

Pero claro, para que esto funcione las películas deben haber sido grabadas con el formato adecuado. Se necesitan al menos dos cámaras de vídeo que capturen, a la vez, las escenas, cada una recogiendo las imágenes que luego se proyectarán para uno de los dos ojos.

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Rodando con animales: Quechua.

Este anuncio dura poco más de 1 minuto, pero cada toma ha tenido que ser planificada al detalle. Quechua ha querido trabajar una vez más con la naturaleza de telón de fondo. ¿Y qué mejor forma de hacerlo que mostrarnos la estrecha relación afectiva que puede existir entre el hombre y el animal?

Buscar la perfección a la hora de rodar con animales supone el tener que disponer de mucha paciencia, pero sobre todo, tener un equipo humano excelente. En este anuncio Quechua ha contado con un oso, una lechuza, conejos y tres lobos. Una de las necesidades del éxito es la realización de un buen casting, tanto de personas como de animales: unos deben ser valientes y los otros, mansos y adiestrados.

Cada película, cada serie o cada anuncio tiene sus necesidades específicas. Al igual que El silencio de los corderos debía contar con un especialista en insectos para rodar todas las escenas de las mariposas, el anuncio de los polares de quechua tenía que contar con un equipo de adiestradores para los diferentes animales que participaban. Y así fue.

En este  caso, las imágenes hablan por sí solas. En los siguientes videos os mostraremos como este tierno anuncio se llevó a cabo, cómo el equipo de rodaje trabajó junto a los adiestradores para llevar a cabo cada plano, llegando a unos resultados excelentes donde la ternura, el hombre y la naturaleza crean la simbiosis perfecta.

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The Walking Dead: la importancia de maquillaje y peluquería

Tras casi concluir la tercera temporada de la serie de zombies de moda, queremos dedicar este post a la gran importancia que el departamento de maquillaje y peluquería puede llegar a tener detrás de las cámaras.

El artista por excelencia, tiene nombre y apellido: Greg Nicotero, un creador de efectos especiales que lleva veinticinco años trabajando como maquillador.

Greg Nicotero

Curtido en el cine de terror con grandes obras tales como “El amanecer de los muertos vivientes” o “Pesadilla en Elm Street”, el último reto a superar de este artista ha sido el de recrear la ciudad de Atlanta dominada por los zombies de The Walking Dead.

Como bien sabemos, la serie está inspirada en un cómic muy reconocido, po lo que saber captar la esencia del terror y dar realismo a los zombies era una parte clave para el éxito de la serie. Se podría decir que el 90% del éxito viene dado por el increible trabajo de maquillaje que se ha conseguido. El espectador consigue ponerse en la piel del personaje y sufrir tanto o más que él.

zombie

Cuenta Nicotero en una entrevista al blog de la serie creado por la AMC, que una de las dificultades era que los en la historia los zombies morían lentamente de hambre, por lo que era necesario que unos estuvieran más ‘frescos’ y otros más descompuestos.  Por eso, el trabajo aumentaba considerablemente.

Hay que tener en cuenta que los zombies de The walking Dead pasan hambre, y esto significa que todo aquello que encuentren a su paso lo devorarán: desde personas, hasta caballos. Esto implica que el canibalismo y la sangre debe ser protagonista de las escenas. ¿Cómo hacer que salga tanta sangre por la boca de estos muertos vivientes? Nicotero explica la AMC, que para ello ha creado un dispositivo colocado en su cabeza de aire comprimido. Este aparato lleva un tubo que hay que rellenar de la falsa sangre, conectado a una pequeña bomba de aireque se activará con el pie y dejará expulsar un potente chorro para dar más realismo a la escena.

caballo

En la primera temporada una de las apariciones más comentadas fue la zombie sin piernas que Rich encuentra en su camino, os dejamos con un video muy interesante de la transformación de esta actriz, conocida en el cómic como ‘la chica de la bicicleta:

Transformación en ‘La chica de la bicicleta’.

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¿Cómo recrear un Belén Viviente?

La semana pasada, la Universidad CEU Cardenal Herrera de Valencia rodó lo que sería un Belén Viviente ya que se aproximan las fechas navideñas. En lugar de poner lo que ya es habitual en todas las casas, uno de figuritas, el equipo de ‘Detrás de las Cámaras’ se ha desplazado para ver precisamente lo que nos interesa, el rodaje del evento.

Más que dificultad, la cosa había que tomarla de forma atractiva. Y es que, poco tendrán que trabajar en montaje porque el trabajo sólo se compone de un único plano secuencia. ¿Qué es un plano secuencia? La respuesta es sencilla, la toma en la que se registra toda la acción sin necesidad de realizar corte alguno, por lo que la duración de estos planos suele ser bastante larga. En el caso concreto, la secuencia durará unos dos minutos aproximadamente.

En el vídeo podemos ver que la escena se recrea con una especie de altar en la que se sitúan los personajes principales caracterizados de forma muy profesional. En el suelo podemos ver paja y como fondo tenemos varios panos cubiertos por telas del color en cuestión.

La iluminación es clara, se centra en tener correctamente iluminados los personajes y todo lo demás oscuro. A excepción del fondo en el que podemos ver una estrella fugaz reflejada. Para ello, se coloca una luz dura que atraviese un papel con la forma recortada en cuestión que queremos dibujar en el fondo. Cuanto más cerca esté la fuente de luz del papel, menos difuminado tendremos el objeto reflejado.

Como tenían varios movimientos de cámara, lo más cómodo fue utilizar una especie de steady-cam en la que la cámara estaba sentada por mayor comodidad. El monitor también iba en la propia estructura de forma que la profesional tenía una referencia clara en todo momento de lo que se estaba grabando. Se trata de un buen ejercicio ya que de esa forma se evitan pequeños saltos en la imagen y es que, el suelo del plató de la universidad está totalmente adaptado para estas circunstancias. La trabajadora que conduce el aparato debe de estar en total consonancia con la cámara y aprenderse las dos una especie de coreografía visual marcada previamente.

Para la niebla se suele utilizar lo que se conoce comúnmente como una ‘máquina de humo’, un aparato que genera un vapor denso. Por lo general, producen el humo vaporizando agua mezclada con un fluido basado en el glicol o el glicerol. Para generar el humo de esta manera se inyecta el fluido sobre una base caliente que hace que se evapore rápidamente. Cuando el vapor resultante entra el contacto con el aire exterior frío se genera la niebla artificial.

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Detrás de las cámaras de ‘El amor no es lo que era’

Qué bonito es el cine. Cuántas películas se hacen al año. Las carteleras siempre están inundadas y, si no, existen multitud de canales especializados que nos las enseñan día a día, a todas horas. Tantas películas que quizás la gente pierde la perspectiva o noción original de cuánto cuesta hacer un film. El siguiente artículo pretende pues recordar, o informar a los más despistados, de algunos de los entresijos de un rodaje cinematográfico. Lo vamos a hacer de la forma más práctica posible, y es que nos hemos trasladado al propio set de la película ‘El amor no es lo que era’, un largometraje rodado plenamente en Valencia en el mes de noviembre y dirigido por el primerizo Gabi Ochoa.

‘Maq y pelu’, así denominaba el equipo al cuarto o localización concreta donde los profesionales de vestuario, maquillaje y peluquería preparaban a los actores. Cada día era un nuevo lugar por lo que cada vez espejos, tablones, caballetes, cajas, ropa… se movían y montaban de un lado a otro en el menor tiempo posible. Además de todo ello, Caterina Muñoz, segunda ayudante de dirección, incidió en la idea de que este lugar debe ser la zona de reposo de los actores, y en donde pudieran descansar o ensayar el guión.

El famoso monitor a través del cual el director observa lo que ocurre en el plano es el denominado ‘combo’. Se trata de una mesita con todo el cableado adecuado y dos monitores. Uno grande desde el cual poder ver la escena en el mayor tamaño posible para lograr una mejor afinación de imagen y, por otro lado, uno más pequeño y fácil de manejar para situaciones más ‘incómodas’. El aparato de sonido y su técnico también se sitúan al lado de esta mesita. En el ‘combo’ siempre hay cuatro personas claras: el director, el script, el técnico de sonido y un ayudante de dirección que transmita por walky talkie todo lo que el director diga o haga.

El campamento era el lugar donde se guarda todo el material técnico. Por lo general, solía estar cerca del combo por aprovechamiento de espacio. En él encontramos material de cámara, de eléctricos, sillas para actores, pértigas de sonido, etc. La jefa de producción, Mónica Olivares, nos dijo que ella era la responsable de que todo estuviera en su lugar, de que todo estuviera constantemente vigilado y de que nunca faltara agua o algún snack para el director o su equipo.

No comparemos la cámara cinematográfica con otra cualquiera, y es que ésta tiene infinitas posibilidades y formas de captar la imagen.

Esos preciosos planos que vemos desde lo alto, en vista cenital, no son obra de la casualidad. Para ellos, hay que contratar a un grupo especialista en grúas de cine. Se trata de un aparato que puede alcanzar la suficiente altura como para lograr mostrarnos un plano visto desde arriba. Como podéis comprobar en el vídeo el mecanismo es bastante aparatoso, por lo que hay que llevar mucho cuidado a la hora de manejarlo.

Lo que para nosotros en la pantalla es un simple movimiento horizontal en la imagen, realmente son horas y horas previas de trabajo. El equipo técnico monta, lo que se denomina por su jerga, el ‘travelling’, que traducido al español significaría ‘desplazamiento’. Se trata de unas vías sobre las que se apoyará un pequeño vagón que transportará la cámara a fin de asegurar la máxima suavidad de movimiento, especialmente en suelos irregulares.

Una simple luz de farola no es suficiente para iluminar la escena. No obstante, el equipo de eléctricos montaba una luz paralela con la suficiente potencia como para ver las caras de los actores en la noche. Asimismo, lo que parece que es un sol resplandeciente entrando por el ventanal de la casa no es otra cosa que un gran foco. Incluso los días de lluvia no eran motivo para no tener una bonita luz de interior.

La película en cuestión saldrá en otoño de 2013 y, de momento, sólo podemos contentarnos con la página de Facebook de ‘El amor no es lo que era’. Y ver, como estos ejemplos, muchos otros que revelan la dificultad del séptimo arte. Estando en el rodaje mucha gente se acercaba no para preguntar cómo se llamaba la película, sino para decir cuánto cuesta hacer un minuto de vídeo. Y si se hace bien, eso es lo más reconfortante.

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